PandeMIA

“In questi giorni il nuovo ‘Metro di zucchero’ che ho in studio è fermo, i bar sono chiusi, niente caffè, niente bustine, niente opera; nel frattempo un metro è diventato anche un’ulteriore unità di misura, quella della distanza tra persona e persona. Quando questo metro di distanza tornerà ad accorciarsi e scomparire, allora il metro del Metro di zucchero tornerà ad allungarsi e l’opera sarà”.

^{Francesco Arena *}

Alla chiusura delle sedi pubbliche, varie istituzioni culturali, rendendosi conto di dover mettere a punto un’idea per non interrompere la propria attività di produzione di cultura, hanno deciso di provare a coinvolgere, a volte nell’ideazione, a volte nella realizzazione di un’idea progettuale, la rete di attori costruita in anni di attività.

Così, il MADRE, Museo d’arte contemporanea Donnaregina di Napoli, che in seguito alla chiusura straordinaria iniziata a marzo, ha invitato artisti e creativi, tra quelli legati storicamente al museo e altri, coinvolti tramite una call, a reinterpretare alcune parole e temi chiave legati al tema della pandemia e al momento di incertezza in cui è precipitata l’umanità: vicinanza, distanza, casa, isolamento, comunità, quarantena, famiglia, relazioni, trasmissione, solidarietà, contagio, spazio, confine, corpo, regole, abitudini, limite, contatto, mutazione, emergenza, abbraccio, opportunità.

L’iniziativa è stata intitolata “#iorestoacasa con…”, riprendendo l’hashtag della campagna nazionale che invita a restare il più possibile isolati nelle proprie abitazioni. 

La call to action aveva titolo: “How to change the world from your living room” ed è stata raccolta da un gruppo molto eterogeneo di artisti con espressività e pratica molto differente.

Alcuni hanno prodotto dei lavori ad hoc, altri hanno proposto lavori precedenti legati ai temi proposti.

Tutti i materiali in formato digitale – video d’arte, fotografie, videodocumentazioni di performances, brevi racconti – sono disponibili e visionabili sul sito del museo.

^{* Artista; figura tra gli artisti quelli coinvolti nel progetto}

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“Tik Tok può essere accusato di essere di basso livello, ma nei musei facciamo attività intellettuali e serie tutto il tempo e abbiamo pensato che se avesse funzionato, avrebbe potuto essere un’esca per invitare all’apprendimento“

^{Carnegie Museum of Natural History in Pittsburgh *}

Le Gallerie degli Uffizi, a Firenze diventano inaspettatamente un caso, durante il lockdown.

In conseguenza della chiusura del museo e non potendo prevedere quanto questo stop sarebbe durato, il direttore Eike Schmidt, come molti altri direttori di grandi musei intuisce la necessità di intensificare la comunicazione con il pubblico tramite i canali dei Social Media che in quei giorni sembrano essere gli unici efficaci nel sopperire all’impossibilità della maggior parte dei cittadini, di muoversi e frequentarsi di persona.

Il museo già dispone di un account Instagram e di uno Twitter, ma clamorosamente non di uno su Facebook e il tema della comunicazione con il proprio pubblico via Social Media non era mai veramente stato affrontato fino a questo momento: “Eravamo praticamente nell’età della pietra”, ammette Eike Schmidt, parlando del precedente rapporto del museo con i social media.

In marzo viene dunque aperto un account Facebook che il direttore decide di lanciare personalmente con un breve video in cui esprime l’intenzione di avviare un lavoro quotidiano sulla pagina – anch’egli riprendendo il tema del Decamerone. 

Parallelamente, si decide per l’apertura di un account anche su Tik Tok, Social Media utilizzato quasi esclusivamente dai giovanissimi, che nei giorni di lockdown sembra essere prediletto come mezzo per superare i lunghi momenti di noia.

Racconta il New York Times, in un grande articolo dedicato a questa vicenda, che incaricata di aprire e gestire questo account sia stata una delle impiegate dell’ufficio amministrazione, Ilde Forgione, che ha dato la sua disponibilità ad occuparsene, poiché molto appassionata di Social Media. 

Particolarmente brillante effettivamente l’intuizione di aprire l’account su Tik Tok, dal momento che il Social Media aveva annunciato proprio in aprile di voler investire sulla presenza delle istituzioni di cultura ed educative, offrendo a quelle già presenti collaborazioni con influencers e mettendo  a disposizione un fondo di cinquanta milioni di dollari per dare sovvenzioni a questi utenti, perché realizzino contenuti di questo tipo (mentre in maggio ha annunciato una partnership con Bill Nye e Neil deGrasse Tyson – i Piero e Alberto Angela d’America – perché mettano a punto una serie di post educational).

Certamente questo ha fatto sì che il contenuto proposto dal museo venisse esposto agli utenti, da parte della casa madre, in modo particolare.

Bisogna dire, però, che gran merito ha avuto l’incaricata di gestire l’account, che – con l’aiuto, pare, di due giovanissimi cugini e dei figli adolescenti dei colleghi – ha saputo incontrare il giusto tone of voice e il linguaggio che più autenticamente domina su Tik Tok, nonché un brillante accompagnamento dei video con brani musicali molto in voga in Italia e celebri citazioni da dialoghi cinematografici, abbinati magnificamente alle gag spesso proposte dai brevi video. Questo approccio, tranne rari casi, non è certo quello tipico dei musei sulle piattaforme dei Social Media e ciò ha contribuito a determinare un successo incredibile dei piccoli video proposti dagli Uffizi: alcuni di questi son diventati in breve virali, facendo crescere rapidissimamente il numero di follower. Aperto il 28 aprile, l’account contava a fine giugno 22.000 followers e a fine agosto 53.000 followers. 

^{* Sloan MacRae, direttore marketing del museo}

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^{“Quando pensiamo al legno, pensiamo istintivamente ad un materiale di per sé sostenibile, ma non dobbiamo dimenticare che qualunque cosa facciamo nel mondo, ha un impatto. Il titolo “Cambio” è un augurio di cambiamento nel modo in cui il design e la produzione vengono affrontati oggi“}

^{Formafantasma *}

Come sempre accade, in coincidenza di grandi eventi devastanti, si rilevano alcune coincidenze sorprendenti in vari ambiti, tra cui naturalmente anche quello culturale. 

Nel mondo della cultura europea di matrice italiana, tre coincidenze vengono messe in luce come particolarmente significative, all’esplodere della pandemia: la pubblicazione, nel novembre 2019, del volume “Metamorphoses” del filosofo Emanuele Coccia che evidenzia come tutta la vita sulla terra sia un fatto metamorfico dove ogni elemento è strettamente interconnesso e come ciò riguardi anche i virus, le cui mutazioni possono innescare reazioni i cui effetti non sono del tutto prevedibili –  l’esperienza appena conclusa, nel settembre 2019 della Triennale di Milano XIII intitolata “Broken Nature: Design Takes on Human Survival”  curata da Paola Antonelli – che intendeva evidenziare il concetto di progettazione restaurativa e analizzare lo stato dei fili che collegano gli esseri umani ai loro ambienti naturali, alcuni dei quali del tutto recisi – e l’apertura a Londra della mostra “Cambio” del duo di artisti Formafantasma.

Quest’ultima è stata concepita intorno al tema della governance dell’estrazione del legname dalle foreste – diventata una delle più grandi industrie del mondo sia in termini di entrate che genera, sia per l’impatto che ha sulla biosfera del pianeta – proponendosi di rappresentare un’indagine attraverso il mondo della scienza, della conservazione, dell’ingegneria e del policy making, per mettere in luce il ruolo che il design può svolgere nel plasmare un futuro migliore e più sostenibile.

I Formafantasma (Andrea Trimarchi e Simone Farresin) sono designer che hanno dato  sempre spazio, nella propria pratica, all’analisi delle responsabilità ecologiche e politiche imputabili alla loro disciplina. 

In questo caso, “Cambio”, dal latino medievale cambium, ‘cambio, scambio’, fa riferimento all’utilizzo del legno da parte degli esseri umani, per le catene di approvvigionamento atte a supportare la sopravvivenza dell’umanità, all’evoluzione del suo utilizzo e al futuro della sopravvivenza di quel materiale in relazione al consumo umano.

Inoltre, “Cambio” si riferisce allo strato cambiale, una membrana che corre attorno al tronco degli alberi, producendo legno all’interno, una registrazione del passato dell’albero e della corteccia all’esterno, permettendogli di continuare a crescere.

Nel video di presentazione della mostra, Andrea Trimarchi e Simone Farresin si augurano che la mostra generi l’opportunità di avviare delle conversazioni sul tema, anche al di là della mostra stessa. 

Ed effettivamente l’approccio olistico di questo lavoro, così presente in tanti dei dibattiti che si scatenano alla presa di coscienza della portata dell’emergenza in corso – induce la Serpentine Gallery, in seguito alla chiusura dello spazio e della mostra al pubblico, ad ospitare sul proprio account Instagram un programma intitolato “Antenna Fantasma”: interviste live a diversi attori che possano portare un contributo pregnante al ripensamento del ruolo dell’arte e del design in un mondo in trasformazione.

Questa collezione di sedici grandi interviste, si aggiunge ad una quantità già consistente (e in continuo aumento) di materiali scritti ed audio-video a formare un archivio legato alla mostra e costituisce, nel suo insieme, una fotografia dell’anno 2020 avente un taglio autoriale molto pregnante, un piccolo manuale dello stato dell’arte di una corrente di pensiero progettuale determinata a perseguire la sostenibilità e una visione per una delle possibili ripartenze consapevoli.

E’ un gran giro di walzer, tra tutti coloro che si sono resi protagonisti della scena culturale italiana nella primavera 2020, conducendo varie interviste a personaggi significativi, mentre loro stessi vengono intervistati da diversi personaggi e da importanti istituzioni culturali, in una sorta di corto circuito virtuoso.

La mostra inaugura il 4 marzo e, chiusa dieci giorni dopo, riapre al pubblico il 29 settembre.

Una seconda serie di collegamenti live, dall’account Instagram della  Serpentine Gallery, vede protagonisti una serie di artisti, che in collegamento dal proprio studio o spazio di lavoro, presentano al pubblico non solo lo spazio stesso, ma anche la pratica del proprio lavoro.

Andando oltre l’idea della studio visit, in questo caso si ha l’opportunità di trascorrere un’ora di tempo (tale è la durata massima delle dirette Instagram) in compagnia degli artisti immersi nel proprio lavoro. Si svelano le tecniche di lavorazione, i percorsi di avvicinamento all’opera, si ascoltano consigli e piccoli trucchi su come realizzare tecnicamente certi effetti e episodi legati al percorso di vita professionale degli artisti.

E’ un’opportunità rara, forse unica che la Serpentine Gallery regala al proprio pubblico.

Di questa serie purtroppo non è rimasta traccia alcuna, sull’account Instagram del museo.

^{* Formafantasma, a proposito della mostra Cambio alla Serpentine Gallery di Londra}

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Don’t let that horse

                              eat that violin

    cried Chagall’s mother

                                     But he   

                      kept right on

                                     painting

And became famous

And kept on painting

                              The Horse With Violin In Mouth

And when he finally finished it

he jumped up upon the horse

                                        and rode away   

          waving the violin

And then with a low bow gave it

to the first naked nude he ran across

And there were no strings   

                                     attached

^{Lawrence Ferlinghetti *}

La prima puntata va in onda il 22 marzo 2020.

Radio GAMeC, nasce da un’idea di Lorenzo Giusti, direttore del museo GAMeC di Bergamo in collaborazione con Lara Facco Comunicazione  – rinomata società di ufficio stampa, comunicazione e pubbliche relazioni nell’arte – che affianca il museo da molti anni.

Spiega Lorenzo Giusti, intervistato da Matteo Bergamini per “exibart live talks” – parte del ciclo di interviste su Instagram live che la rivista exibart ha condotto tra marzo e maggio 2020 – come si sia creata in marzo una sorta di unità di crisi, costituita dai responsabili del museo, insieme all’ufficio stampa e in dialogo con altre istituzioni della città, volta ad esprimere un piano di azione per il museo, di fronte alla chiusura al pubblico e alla emergenza sanitaria particolarmente tragica per la città di Bergamo.

Nasce dalle riflessioni portate avanti in marzo, l’idea di creare un programma quotidiano di incontri, condotti dallo scrittore e critico letterario Leonardo Merlini, con personaggi importanti della cultura e con un focus su alcuni personaggi di spicco di origine bergamasca, affiancato da un appuntamento extra intitolato “Saturday live”, che va in onda il sabato sera in seconda serata e si raddoppia intorno a maggio, con un appuntamento serale anche in lingua inglese.

Sarà come una radio, con le stesse prerogative di tenere compagnia, da una parte e informare dall’altra sugli sviluppi della situazione in divenire.

Si parte, con un formato che a fine marzo è già diventato un classico, con delle dirette dall’account di Instagram della GAMeC e i file verranno poi caricati anche sull’account Youtube del museo e su un canale Soundcloud dedicato.

In prospettiva, gli ideatori si propongono di farlo diventare un programma radio stabile curato dal museo, con una cadenza e un formato che andranno definiti, ma in apertura, a marzo, il progetto intende essere un presidio di resistenza nel momento dell’emergenza, un canale utile a convogliare donazioni all’ospedale di Bergamo Giovanni XXIII e al Fondo di Mutuo Soccorso della Città Di Bergamo, una voce per una riflessione quotidiana sullo stato dell’arte e della cultura in un momento difficile e una voce di speranza per riprendersi il futuro interrotto. Non ha una particolare originalità, in effetti, il formato con cui questo progetto prende forma, ma è importante l’intuizione di voler aprire, come museo, un canale diretto con il pubblico e l’idea di volerlo mantenere, in prospettiva, in formato di radio. 

E’ interessante vedere le istituzioni cogliere l’occasione della pausa forzata per ripensare ad alcuni aspetti trascurati in passato e anche per fare alcune riflessioni sullo stato dell’arte, con i protagonisti della scena e con le persone che costituiscono la rete di rapporti privilegiati, con le quali si disegnerà il futuro dell’istituzione ed in particolare ripensare alle modalità con cui si relazionano con l’esterno, dovendo rilevare come i mezzi tradizionali con cui i musei comunicano non siano forse più sufficienti o non sufficientemente efficaci.

Leonardo Merlini è appassionato e studioso di letteratura, soprattutto di letteratura americana e si propone, quindi, di chiudere ogni incontro leggendo una poesia e spesso li aprirà leggendo delle citazioni da importanti saggi e romanzi.

In giugno effettivamente, tenendo fede al proposito di proseguire l’esperimento di filo diretto del museo con il pubblico di appassionati, la radio riprende andando in onda dal vivo da Bergamo, in formato “Radio GAMeC Real Live”, grazie ad un palchetto mobile attrezzato su un’Apecar e ripreso in video perché sia possibile seguire gli incontri anche da Youtube.

^{* “Don’t Let That Horse…”, da “A Coney Island of the Mind”, Lawrence Ferlinghetti, 1958}

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“Noi crediamo che un’istituzione come la Triennale non possa mai smettere di produrre cultura”

^{Stefano Boeri *}

Come già accennato, parlando del contesto in cui le più grandi trasformazioni nel modo di fare cultura hanno avuto inizio, nella primavera del 2020, La Triennale di Milano ha avuto il merito indubbio di reagire alla situazione di emergenza con una prontezza ed una efficacia che si sono distinti nel panorama italiano. 

Stefano Boeri, presidente della Triennale, sembra accogliere e far proprio l’invito del Sindaco di Milano Giuseppe Sala, che a fine febbraio, al motto di #milanononsiferma, aveva invitato i cittadini a non lasciarsi travolgere dalla paura e cercare in tutti i modi di proseguire con le proprie attività quotidiane e lavorative, nonostante le limitazioni imposte dall’emergenza che iniziano a pesare sulla città e sul Paese.

Domenica 1 marzo, Boeri va in onda live dall’account Instagram della Triennale, annunciando l’intenzione dell’ente di avere una programmazione che si svolgerà nell’edificio chiuso al pubblico e presenterà delle performance, degli interventi di diversi personaggi della cultura e dei contributi di contenuto vario.

Spiega Stefano Boeri: “In un momento di crisi generale come quello attuale è importante recuperare il senso profondo di questo termine a partire dalla sua radice etimologica: krisis, in greco, significa ‘scelta’ o ‘decisione’. Una crisi quindi rappresenta e comporta una scelta. Tale processo decisionale può portare a forzare i limiti contingenti e a trasformarli in opportunità creative. Questa può allora diventare l’occasione per ripensare natura e funzioni di una istituzione culturale come Triennale con l’obiettivo di sperimentare nuove formule di partecipazione e inedite modalità di veicolazione e creazione dei propri contenuti”.

Si inizia il 5 marzo con una serie di performance – tra queste, una del duo Goldschmied & Chiari, una del musicista Saturnino, una della danzatrice Silvia Bertocchi che si tengono nelle sale vuote della Triennale, ad enfatizzare la desolazione dell’edificio senza la presenza del pubblico, ma anche a voler sfruttare, al contempo l’edificio in modo diverso, adeguandosi alla situazione peculiare.

Ancora non si può immaginare che nel giro di pochi giorni la situazione andrà precipitando e nessuno potrà più muoversi da casa.

Ben presto, infatti, con un ulteriore cambio di direzione brillante e rapidissimo, si imposta la modalità definitiva di lavoro che animerà l’ente Triennale per i tre mesi successivi: su un’idea di Joseph Grima, direttore del settore Design della Triennale e immediatamente condivisa da tutto il comitato scientifico, dai direttori e dai curatori dell’ente, si avvia una programmazione intitolata “Decamerone”.

Citando e riprendendo l’idea alla base del “Decamerone” di Giovanni Boccaccio di produrre un racconto al giorno per intrattenersi durante il periodo di immobilità imposto dalla peste, tre dei direttori delle diverse sezioni della Triennale (Lorenza Baroncelli, Joseph Grima, Umberto Angelini), alcuni dei curatori dell’ente ( Gianluigi Ricuperati, Leonardo Caffo, Paola Nicolin, Antonio Ottomanelli, Davide Giannella) e il presidente stesso Stefano Boeri, alternandosi, condurranno un’intervista al giorno a diversi personaggi del mondo della cultura, invitandoli a riflettere sulla situazione contingente e a provare ad immaginare il mondo alla fine della pandemia.

Le interviste si svolgono tramite Instagram live, ogni giorno alle ore 17.00.

Questo formato, molto snello e molto diretto, si rivela, pur nella sua essenzialità, estremamente adeguato alla situazione contingente: innanzitutto permette sia agli intervistatori sia agli intervistati di portare avanti il progetto pur trovandosi in luoghi differenti, poi permette al pubblico di intervenire direttamente con domande, note e commenti e infine crea un senso di vicinanza che nel momento di emergenza e di incertezza persino per il quotidiano, è particolarmente ricercato e apprezzato.

La varietà dei temi trattati, il livello per lo più altissimo degli ospiti invitati, la qualità delle interviste stesse, determina definitivamente il successo dell’iniziativa; mentre l’alternanza nella conduzione – che ha dato carattere diverso ad ogni filone di dibattito e i toni informali, ma sempre colti – creano un modello che viene immediatamente ripreso da molte altre entità culturali: la Triennale non si è fermata e ha trascinato e in qualche modo ha “costretto” ogni altra istituzione italiana, e non solo, a fare altrettanto.

Molte altre istituzioni, infatti, hanno adottato questa formula, replicandola su Instagram e su altre piattaforme, con discreto successo, sebbene la qualità e più ancora un certo speciale flair, che la Triennale è riuscita a dare alle proprie interviste del “Decamerone”, siano rimasti impareggiati.

Spiccano in questo ciclo, l’intervista a Cino Zucchi, quella a Ferdinando Verderi, a Michele De Lucchi, a Giovanna Melandri, a Paola Antonelli e quella a Formafantasma, che a loro volta sono intervistatori in un ciclo simile di incontri, per conto della Serpentine Gallery [il cortocircuito tra intervistati e intervistatori, si produce spesso tra marzo aprile e maggio, soprattutto intorno alle figure di Leonardo Caffo, Formafantasma e Emanuele Coccia].

Questi interventi – e quelli di simile qualità e modalità, predisposti da altri enti – hanno saputo trasformare la percezione della cosiddetta quarantena, facendo intuire man mano come si trattasse di un momento enormemente trasformativo e di grande crescita intellettuale, seppur nella sua tragicità ed hanno scandito le giornate in modo piacevole e importante, come le piccole routines di piaceri trafugati che – impariamo da libri e film – aiutano a superare i momenti di difficoltà e immobilità, riuscendo a volte a segnare addirittura questi periodi in modo positivo.

Questi aspetti, che certamente risiedevano nelle pieghe dell’intento di queste iniziative – così come lo era nel vero “Decamerone” – sono passati, sono arrivati, sono stati importanti e hanno fatto la differenza.

Piccolo dettaglio, ma significativo: quasi ogni giorno, in apertura, le interviste del “Decamerone” della Triennale sono state presentate come facenti parte di una serie, accreditando esplicitamente la luminosa intuizione avuta da Joseph Grima, dimostrazione, questa, oltre che di grande carattere e nobiltà, della coscienza piena che si trattasse di un vero e proprio nuovo format e forse, pensandoci a posteriori, di un vero e proprio nuovo piccolo formato di azione culturale. 

^{*Presidente de La Triennale di Milano}

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