Categoria: Istituzioni culturali

• INTERVISTA a Stefano Mirti

  Founder IDLab e direttore Scuola Superiore di Arti Applicate del Castello Sforzesco 

  Gli eventi e la progettazione culturali, durante e dopo la pandemia

  Ottobre 2020

  

  

  ^{Francesco Vezzoli, “Love Stories”, 2020. Courtesy: Fondazione Prada}

  Se dovessi elencare una serie di punti chiave su cui è necessario ragionare e una serie di domande da porsi al momento di ideare o trasformare un evento già esistente, oggi, quali sarebbero?
  
  Guarda, ti stralcio dal giornale di oggi: “Airbnb, che a dicembre dovrebbe quotarsi in Borsa ad una valutazione molto più bassa di un anno fa ma molto più alta di sei mesi fa, ha resistito alla prima ondata e probabilmente sopravviverà alla seconda, perché ha capito una cosa fondamentale: è inutile, anzi, dannoso, continuare a cercare di fare le cose di prima. Dobbiamo cercare di fare le cose di adesso”.
  
  Questo ipotetico evento già esistente si deve scordare completamente il passato e reinventarsi completamente da zero. Qualsiasi altra cosa è fuorviante e fa perdere tempo. 

  Pensi che, superato il problema contingente, quando in futuro si potrà nuovamente frequentare le manifestazioni di persona senza particolari restrizioni, la versione in digitale delle manifestazioni sopravviverà o sarà eliminata?

  Non penso che il problema contingente verrà superato. Il problema contingente verrà inglobato in una nuova forma di normalità. L’AIDS (in quanto problema contingente) è entrato in una nuova realtà: i nostri comportamenti sessuali a un certo punto sono radicalmente cambiati e qui arrivati non ci si fa più caso. Stesso dicasi dei controlli in aeroporto post 9/11. Le prime volte ci sembrano una cosa incredibile, poi ci siamo abituati. E così via.

  Credo che tu ponga una finta distinzione: non ci saranno più manifestazioni che hanno una versione digitale. Ci saranno manifestazioni che avranno parti in presenza e parti in digitale, completamente sovrapposte e interagenti tra di loro. La parte digitale diventerà il cuore pulsante di qualsiasi manifestazione (pena, l’irrilevanza).

  Se sopravviverà, sarà in modo simile a quello attuale, o ridotto, o semplicemente diverso?

  Sarà come prima ma in modo diverso di prima. Francesco Vezzoli ha fatto un’opera d’arte per Prada usando le Instagram Stories come medium. Un grande evento che anziché prendere vita alla Fondazione Prada, ha preso vita sull’account Instagram della Fondazione Prada. In questo processo non c’è invenzione alcuna. Le stories di Instagram sono lì da qualche anno. Semplicemente Vezzoli le ha usate in un modo inaspettato. Stesso dicasi del grande concerto in remoto di Nick Cave (la scorsa estate) e così via. È un futuro fatto di tanti passati e tanti presenti rimescolati e cambiati di segno e significato.
  
  Puoi darmi le motivazioni di questa tua previsione?

  Non è una previsione, è quello che sta succedendo sotto i nostri occhi. È una descrizione della realtà. Poi ovviamente, c’è chi nega la realtà, ma quella è un’altra storia.

  Credi che ci siano degli aspetti delle manifestazioni per i quali possa particolarmente giovare il fatto che una manifestazione sia, o diventi, interamente in digitale, e altri che ne possano particolarmente soffrire?

  Daccapo, tu poni una distinzione a monte che non reputo possa più esistere: “una manifestazione che sia o diventi interamente digitale”. Dal mio punto di vista, qui arrivati non ci può essere una manifestazione che non possa non essere fortemente digitale. Detto questo, credo che la differenza la faccia la testa di chi organizza queste manifestazioni. Ci sono teste che sono in grado di venire a capo della realtà attuale, e altre teste che non sono in grado. La differenza non la fa la tipologia di evento ma il fattore umano. Chi organizza e gestisce l’evento.
  
  Il mondo del design milanese, si è bloccato. Freeze. Aspettando un qualche miracolo che ci riporti al vecchio e rassicurante Salone del Mobile. Il mondo della moda invece si è messo in gioco e ha fatto una settimana della moda autunnale di grande coraggio. Armani ha fatto la sfilata in televisione, Prada il grande evento su Instagram, Dolce & Gabbana la sfilata tradizionale. Una cinquantina di eventi tutti diversi e complementari tra di loro. Bravissimi. Grande fatica, ma è l’unica strada possibile. 

  Insieme a Maurizio Cilli, hai condotto l’esperimento di virare in formula digitale il festival “Bottom Up!”, durante il lockdown, dovendone quasi improvvisare il formato. Io credo sia stato un esperimento di successo; tu come lo giudichi a posteriori? 

  È stato un esperimento necessario: se non si fosse fatto, si sarebbe fermato tutto. Non è ancora finito (la parte finale sarà a inizio novembre, nuovamente in una qualche forma di lockdown), da cui per i bilanci si dovrà aspettare ancora qualche settimana.

  Credi che questa esperienza influenzerà, per quanto ti riguarda, la progettazione di eventi simili, in futuro?

  Sì, certo. L’elemento più importante che abbiamo imparato è che l’evento tradizionale vive di pochi giorni intensi e condensati. Questi nuovi eventi un poco fisici e un poco digitali, vivranno credo di archi temporali molto più lunghi. La fiera tradizionale dura 3, 5 giorni. Una settimana al massimo. Una fiera che vive sui media digitali può spalmarsi su tutto l’anno. L’evento digitale che dura tre giorni cercando di replicare la forma dell’evento tradizionale assomiglia alle prime automobili che venivano costruite riproducendo le fattezze delle carrozze trainate da cavalli.

  Avete progettato o state progettando, con il vostro studio, alcuni eventi totalmente in digitale, consapevoli del fatto che, fino a sei mesi fa, gli stessi eventi non avrebbero avuto questa formula? 

  Ci si sta lavorando. Anche a scuola: open day, workshop, attività di comunicazione. Molto complesso, molto interessante. Il momento è difficile per l’economia e per i flussi di cassa, nel contempo entusiasmante per la libertà che abbiamo davanti: tutto è possibile.

  Ed eventi ibridi?

  
  Sì certo. In questo momento credo che “ibrido” (o, se preferisci, “blended”) sia la parola chiave. Il futuro non sarà né bianco né nero. Sarà una qualche tonalità di grigio. Esattamente come è il presente.

  Quali sono stati i punti fissi e i punti cardine che vi hanno guidato nel progettarli?

  Bisogna avere la testa sgombra da idee, pregiudizi, soluzioni predefinite. Vale tutto e il contrario di tutto. Dimenticarsi del passato e anche dimenticarsi di guadagnare gli stessi soldi che si guadagnavano prima (almeno nell’immediato).

  Ci sono esempi di capitoli di offerta al pubblico interamente nuovi, nati grazie al fatto di lavorare in digitale?

  Ci siamo dentro, è troppo difficile capire che cosa sta succedendo. Diciamo che si capiscono le soluzioni e attitudini che non funzionano. Per il resto, tanta brava (e coraggiosa) gente che si sta mettendo alla prova. 

  Pensi che nel prossimo futuro vi doterete di personale specifico dedicato solo a questo ramo (o di integrarlo, se già avete una squadra impegnata sul digitale), o continuerete a gestirlo con lo stesso organico di oggi?

  A naso, saranno persone tutte diverse. Il profilo ideale sarà una persona che non ha vissuto i mondi precedenti. Henry Ford (per le sue automobili) non aveva grande bisogno di valenti maniscalchi e ottimi veterinari. Era un mondo diverso da quello dei cavalli e delle carrozze. Poi, come detto prima, il mondo non è mai bianco o nero, però il concetto rimane quello.
  
  E più in generale, credi che nel futuro non prossimo il “fattore digitale” inciderà in modo significativo sull’intero bilancio delle manifestazioni?

  Nel futuro (prossimo e non prossimo) non ci potranno essere manifestazioni che non abbiano un fattore digitale molto forte nel loro bilancio.

  Hai incontrato esempi di manifestazioni virate in digitale o in formula ibrida, particolarmente notevoli per qualità, creatività, efficacia o interesse, che ci puoi segnalare?

  E quali sono, eventualmente, gli elementi di spicco che hai notato?

  Sono diverse. Però non credo che sia questo il momento di guardare cosa fa quello più bravo di noi e capire come copiarlo. In questo momento dobbiamo resettare le nostre abitudini, i nostri pensieri. Fare una pausa, fare un po’ di vuoto. Dedicarci a cose altre. Fare l’orto in giardino, cambiare il fidanzato o la fidanzata (piuttosto che il marito o la moglie). Imparare a suonare uno strumento musicale, leggere i grandi classici (che non abbiamo mai letto per mancanza di tempo). 

  Adesso è un momento in cui bisogna saper aspettare. Per i benchmark, ci aggiorniamo al 2021 (se siamo fortunati).

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  19 settembre 2020

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• INTERVISTA a Alessandro Bollo

  Direttore Polo del ‘900, Torino

  Le celebrazione per il 25 aprile e Archivissima, in digitale, edizione 2020

  Ottobre 2020

  

  L’intervista è stata leggermente ridotta ed editata

  Quanto tempo ha richiesto, per la vostra struttura, decidere di realizzare le manifestazioni in programma per la primavera ugualmente, ma in formato unicamente digitale e quali sono stati i punti i fissi e i punti cardine che vi hanno guidato nel progettarla?

  Posso dire che l’’evento che ha innestato la reazione, per quanto riguarda la nostra struttura, è stata la celebrazione della festa della Liberazione, il 25 aprile.

  E’ una ricorrenza che celebriamo ogni anno con un programma ricco di eventi, di collaborazioni e di partecipazione e non volevamo arrenderci a rinunciare alla tradizione, nonostante a inizio marzo si fosse già capito che non sarebbe stato possibile svolgere la giornata come era in programma.

  Quest’anno, poi, le collaborazioni si erano moltiplicate e avevamo ricevuto l’incarico di coordinare anche lo svolgimento delle celebrazioni della Liberazione anche di altre strutture ed entità.

  Così, determinati ad andare avanti, abbiamo deciso di virare tutta la giornata in una manifestazione fruibile totalmente in digitale e abbiamo iniziato immediatamente a progettare una maratona di 10 ore di diretta, in cui coinvolgere tutte le strutture e tutti gli ospiti che erano previsti. La manifestazione prevede da sempre contributi di parola, musica, teatro, esposizioni, performance… e così sarebbe stato, anche nella versione in digitale.

  E’ stata creata una piattaforma collaborativa con il contributo, oltre al Polo del ‘900, di un gruppo di lavoro dell’ufficio del Sindaco, uno dell’Assessore alla Cultura della Regione, e uno costituito dalla struttura Off Topic.

  Agli ospiti è stato chiesto di preparare degli interventi dai 3 ai 5, massimo 10 minuti; bisogna immaginare scrittori, autori e registi teatrali come Gabriele Vacis, storici come il Professor Zagrebelsky, musicisti, come gli Eugenio in via di Gioia…

  Poiché non eravamo strutturati per realizzare tutti i collegamenti in diretta, si è deciso di registrare una parte dei contribuiti prima della manifestazione.

  Alcuni degli ospiti hanno registrato il proprio intervento negli studi di registrazione RAI – partner della giornata di celebrazioni – mentre in altri casi si è concordato di inviare dei giornalisti RAI a registrare gli interventi a casa degli ospiti.

  Il giorno della maratona, siamo riusciti ad andare davvero in diretta per 10 ore consecutive dagli spazi del Polo del ‘900,  tramite Facebook e Youtube, alternando le attività in diretta e i contributi registrati e devo dire che il risultato è stato molto soddisfacente.

  Lo sforzo che ha richiesto ripensare e realizzare la manifestazione in digitale, è stato direttamente o inversamente proporzionale al successo riscontrato?

  Il successo di pubblico è stato impressionante e molto superiore a quanto sperato: abbiamo avuto 40.000 contatti, cioè infinitamente di più di quante abbiamo mai avuto in presenza negli anni precedenti.

  Pensi che, superato il problema contingente, quando in futuro si potrà nuovamente frequentare le manifestazioni di persona senza particolari restrizioni, la versione in digitale della manifestazione sopravviverà o sarà eliminata?

  Se sopravviverà, sarà in modo simile a quello attuale, o ridotto, o semplicemente diverso?

  Il successo dell’operazione e l’aver saputo realizzare materiale sufficiente per svolgerla in poche settimane, ci ha fatto capire che è decisamente possibile virare le nostre attività in versione digitale e che il risultato non è una soluzione di ripiego.

  Manterremo dunque la produzione di contenuti in digitale e intendiamo investire su questo ramo di attività ed espanderlo.

  Ciò non significa immaginare di rinunciare alle attività dal vivo – diamo molto valore, comunque, alla partecipazione dal vivo – ma progettare d’ora in poi manifestazioni di carattere ibrido, tra live e digitale. 

  Il formato podcast, per esempio, che abbiamo sperimentato con successo per la manifestazione Archivissima, andata in onda anch’essa  in digitale nel giugno scorso, ci sembra molto adatto al tipo di contenuti che produciamo e promuoviamo e ne faremo un uso sempre più consistente.

  Ci sono esempi di capitoli di offerta al pubblico, interamente nuovi, nati grazie al fatto di lavorare in digitale?

  Per lo più si tratta di attività già in parte esistenti che abbiamo potenziato, ma iniziamo a progettare anche in maniera diversa.

  Un esempio può essere la nuova rassegna di eventi e attività legate alle elezioni USA 2020, che abbiamo messo a punto con il contributo della Compagnia di San Paolo, intitolata “Tu Vuo’ Fa’ L’americano”, per la quale stiamo lavorando con YouTrend, Visionary Days, Club Silencio e Rete Case del Quartiere e realizzando vari supporti in digitale ed eventi sia dal vivo sia in streaming su Facebook e Youtube.

  Intorno a queste attività stiamo anche costruendo progetti di didattica e formazione permanente.

  Un laboratorio su come si costruisce un podcast, attivato in settembre nell’ambito di questa rassegna e condotto dal giornalista Lorenzo Pregliasco, intitolato “La democrazia in America”, ha prodotto un podcast finale che abbiamo reso disponibile su Spotify, risultando il più ascoltato in Italia, in ottobre, su temi di politica.

  Un’altra materia che ci interessa molto e che già curiamo da anni è quella del rapporto con le scuole e con il sistema educativo

  Abbiamo avviato una sezione di attività che si intitola “Chiedi al Polo” dedicata agli insegnanti che desiderano richiedere materiali di supporto e integrazione per presentare dei temi di studio e ricerca agli studenti. 

  E’ un’iniziativa che funziona molto bene e con l’utilizzo dei podcast e dei supporti digitali intendiamo svilupparla sempre maggiormente, predisponendo, per esempio, dei Kit digitali per la didattica su alcuni temi di studio presenti in tutti i programmi scolastici.

  Molte altre attività si possono immaginare in relazione sia con gli istituti di istruzione obbligatoria, sia con quelli di istruzione superiore.

  Quali sono stati invece i punti di difficoltà, o i problemi – se ce ne sono stati – che questa nuova ondata di attività ha generato?

  Il tema più spinoso è stato quello dei diritti d’autore.

  Mentre progettavamo gli interventi e realizzavamo in velocità la registrazione dei contributi, ci siamo resi conto solo in parte di quante liberatorie e quanta documentazione fossero necessarie in materia di diritti d’autore.

  A posteriori, registrazioni in mano, siamo andati avanti due mesi in una trattativa e in un lavoro estenuante con la SIAE, per ricostruire ogni riga di testo autoriale, letto, citato o recitato e ogni nota suonata, anche per brani di durata minima e infinitamente parziali rispetto all’opera completa.

  Si è rischiata una multa di 10.000€ relativa ad una manifestazione totalmente no-profit che è stata fruita in modo totalmente gratuito.

  Il problema sussiste comunque anche rispetto alla trasmissione via Youtube e via Facebook: i sistemi di trasmissione sono programmati per arrestarsi automaticamente ove siano rilevati contenuti soggetti ai diritti d’autore, ma anche rispetto ai contenuti  controversi o non riconosciuti.

  Questo in un’epoca dove si è costretti a fare affidamento quasi esclusivamente sulla trasmissione in streaming e considerando che quest’onda non passerà e, anzi,  potrà solo aumentare, è un vero problema.

  Come immagini, dunque, gli sviluppi di questa attività per la vostra struttura, nel prossimo futuro?

  Stiamo riflettendo molto sugli sviluppi futuri di questo tipo di attività e sulle diverse implicazioni.

  Rispetto alle difficoltà incontrate finora, alle cose che vorremmo progettare, ma ci rendiamo conto di non essere ancora attrezzati a sufficienza per poterle realizzare, stiamo redigendo una lista di fabbisogni e di elementi che ci mancano, sia tecnici, sia nozionistici, sia di personale incaricato. 

  Abbiamo la fortuna e l’orgoglio di aver vinto a giugno il “Premio Gianluca Spina per l’Innovazione Digitale nei Beni e Attività Culturali”, promosso dall’ Osservatorio Innovazione Digitale nei Beni e Attività Culturali del Politecnico di Milano, che seleziona i migliori progetti in Italia e i modelli virtuosi nell’ambito dell’innovazione digitale.

  Il premio consisterà in un contributo per il supporto nella crescita delle nostre attività in questa materia e noi intendiamo utilizzare questo supporto per alcuni capitoli specifici tra i più scottanti per noi in questo momento:

  • l’analisi dei dati, fondamentale sia per apprezzare la fortuna delle attività che svolgiamo sia per presentarci a investitori e sponsor
  • la gestione della proprietà intellettuale  e dei diritti di broadcasting, che come spiegato, è una questione molto delicata

  Come è stata accolta la proposta di realizzare la manifestazione della primavera 2020 in digitale, dai vostri referenti principali? Avete incontrato particolare resistenza o scetticismo da parte di alcuni soggetti?

  Nel nostro caso, avendo noi preso la decisione in autonomia e avendo proposto le manifestazioni in formato digitale come alternativa già definita, non abbiamo incontrato resistenza quanto piuttosto un po’ di spaesamento, all’inizio.

  Molte persone, molte strutture non erano e non sono attrezzate tecnicamente e a volte mentalmente per questo tipo di attività; in questo senso sarà necessario investire molto sulla formazione permanente per accrescere il livello di consapevolezza e capacità autonome almeno di base, sull’attrezzatura e sul coinvolgimento di figure professionali specifiche.

  Pensi che vi doterete anche voi di personale specifico dedicato solo a questo ramo, dunque?  E più in generale, credi che in futuro il “fattore digitale” inciderà in modo significativo sull’intero bilancio della vostra struttura?

  Noi abbiamo già coinvolto stabilmente una società che si occupa di broadcasting che ci aiuta nella realizzazione delle dirette, sia dal punto di vista tecnico, sia nel concept delle dirette e nella regia; seguire un evento dal vivo o seguirlo in streaming è una esperienza molto diversa e le caratteristiche dell’offerta devono essere adeguate a questa considerazione.

  E’ necessario avere una regia, più punti di registrazione, una postproduzione e, anche in diretta, titoli in sovrimpressione, sottotitoli, sottopancia…

  E’ necessario predisporre dei setting almeno accettabili – durante il lockdown si accettavano le soluzioni ‘fai da te’, da casa, col gatto che attraversa lo schermo, ma in prospettiva bisogna immaginare di proporre immagini di qualità professionale, setting dignitosi e attrezzati perché il suono e l’immagine siano ottimali; anche i tempi di svolgimento di ogni intervento, nel broadcasting, devono avere un ritmo diverso e via dicendo.

  Abbiamo già acquistato dell’attrezzatura che ci serve per svolgere anche in autonomia parte delle attività e l’idea è di arrivare ad avere un dipartimento dedicato alle attività che si programmano, si svolgono e si trasmettono in digitale.

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  18 settembre 2020

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• Archivissima

  

  “Un archivio non è un catalogo, un museo non è il suo sito, e nemmeno un festival può esaurirsi nella dimensione digitale: nessuno lo sa meglio di noi”

  ^Archiui

  Quella di aprire gli archivi, da parte di grandi istituzioni culturali, è un’iniziativa importante che va diffondendosi molto negli ultimi anni ed è letteralmente esplosa in coincidenza con il lockdown.

  Avrà un ruolo sempre più decisivo nei prossimi anni, specialmente per chi saprà sfruttare le potenzialità dell’unione della ricchezza di informazioni contenute, con i mezzi per valorizzarle e farle vivere  e abbiamo già visto come potrà costituire una grande miniera cui attingere volendo beneficiare dell’opportunità – che il digitale rende immediata – di approfondire ogni tema trattato, sia integrando le esperienze fisiche e dal vivo, sia in un dialogo rafforzato con i sistemi educativi e di formazione continua.
  A questi preziosi strumenti è dedicato il festival Archivissima, ideato dalla società Promemoria e organizzato dall’associazione Archivissima in collaborazione con il Polo del’ 900 di Torino e con il sostegno della Fondazione Compagnia di San Paolo e di Fondazione CRT. Archivissima si Archivissima si tiene a Torino, in primavera ed è giunto nel 2020 alla terze edizione.

  Anche in questo caso, avendo appurato che il festival non si sarebbe potuto tenere alla presenza del pubblico, gli organizzatori hanno deciso di provare a svolgerlo interamente in digitale, cambiando formula e puntando molto su un formato già utilizzato in parte per le edizioni precedenti – il podcast – che diventa nel 2020 protagonista della manifestazione.

  Con il supporto di Archiui, società specializzata nella digitalizzazione degli archivi, è stato predisposto un sito nuovo ad hoc, per poter dare ai circa 200 archivi partecipanti la possibilità di caricare autonomamente i propri contenuti. 

  I materiali prodotti sono quasi esclusivamente podcast, come detto, formato in grande espansione e che ben si presta alla presentazione di materiali d’archivio e anche ai confronti tra materiali diversi, poiché permette di trasformare i contenuti in veri e propri racconti.

  Ai podcast si sono affiancati poi panel e videoconferenze, alcune registrate dal vivo dagli spazi del Polo del ‘900 a Torino.

  

  Ci racconto il direttore del Polo del ‘900, Alessandro Bollo: “Il palinsesto includeva 50 podcast, di cui 18 podcast d’autore prodotti da Archivissima, tutti dedicati alle storie degli archivi. A questi si sono affiancati i contenuti realizzati dai singoli archivi partecipanti: circa 80 podcast e più di 100 video. La Notte degli Archivi, nonostante l’emergenza sanitaria, ha coinvolto tutte le regioni italiane, divenendo la prima Notte degli Archivi nazionale, patrocinata quest’anno da ANAI, Associazione nazionale archivistica italiana”.

  E’ già evidente in questo commento come, grazie alla possibilità di partecipare in remoto, la manifestazione sia balzata improvvisamente ad una dimensione nazionale, permettendo a piccole entità archivistiche, che facilmente non avrebbero potuto affrontare la trasferta verso Torino, di partecipare attivamente al festival e di stringere un rapporto che sarà più facile consolidare negli anni a venire.

  Tutti i materiali digitali prodotti  – podcast, video, registrazione dei panel – sono stati diffusi gratuitamente sui diversi canali social del festival e rilanciati sui social media  della manifestazione e di tutti i partner e archivi aderenti e sono ora rimasti a disposizione del pubblico, sul sito di Archivissima, andando a creare un archivio degli archivi, a se stante.

  

  Il rimbalzo tra i social media di tutti i partner coinvolti nella manifestazione ha permesso di moltiplicare infinitamente la diffusione dei materiali e dell’esistenza della manifestazione stessa.

  E’ possibile quindi, che questa edizione strana abbia permesso al festival – analizzando l’esito a posteriori  – di fare un grande balzo di popolarità e di avvicinarlo ad un pubblico di non addetti ai lavori, che diversamente non ne avrebbero colto le potenzialità di intrattenimento e di coinvolgimento.

  Questo fa intravedere la probabilità che la dimensione in digitale resterà in qualche modo come parte delle edizioni future.

  Abbiamo intervistato Alessandro Bollo, in proposito, per avere anche alcune note tecniche sull’esperimento e un suo parere sul destino della parte digitale del festival.

  Intervista a Alessandro Bollo

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  17 settembre 2020

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• INTERVISTA a Cristian Confalonieri

  Co-founder Studiolabo

  Fuorisalone Digital 2020

  Ottobre 2020

  

  ^{L’intervista è stata leggermente ridotta ed editata}

  Quanto tempo ha richiesto, per la vostra struttura, decidere di realizzare la manifestazione ugualmente, ma in formato unicamente digitale?

  E’ stato deciso inizialmente di creare il canale Fuorisalone China, per sopperire alla mancata partecipazione della delegazione cinese.

  iI campanello di allarme di questa cancellazione aveva fatto sì che stessimo da subito ragionando sulla possibilità di proseguire unicamente in digitale.

  Consultate tutte le aziende coinvolte in Fuorisalone ed avuta l’approvazione di tutti, abbiamo deciso entro la fine di marzo, di procedere in questo senso.

  Ci avvantaggiava molto il fatto di essere già strutturati internamente, per poter sostenere un’operazione del genere; ma ha richiesto comunque un grande sforzo da parte di tutta la squadra.

  Quali sono stati i punti fermi e i punti cardine che vi hanno guidato nel progettarla?

  Una buona parte dei contenuti di Fuorisalone.it era già in digitale, ma è stato necessario cambiare il punto di vista, nella costruzione dei contenuti, sapendo che era cambiata la motivazione per cui il pubblico si rivolgeva al sito: in passato si consultava il sito per orientarsi e informarsi sul calendario, ora l’intera manifestazione si svolgeva unicamente sul sito.

  Il primo punto fermo su cui ci si è basati è stato il calendario: aver deciso delle date ufficiali di svolgimento della manifestazione, ha voluto dire dare un carattere di vero evento, con un inizio e una fine

  Poi, si è deciso di cercare di far passare il concetto che andava valorizzata il più possibile la presenza delle aziende coinvolte, perché anch’esse comunicassero il più possibile la loro partecipazione; per fare questo e perché l’operazione venisse presa con la dovuta serietà, si è chiesto alle aziende un gettone di partecipazione.

  L’internazionalità è stato il terzo punto importante, sia per assicurarsi di avere sufficienti novità da proporre, sia per restituire il carattere cosmopolita che caratterizza le giornate del Salone del Mobile. Si è lavorato anche con gli enti nazionali che curano il settore del design, di diversi Paesi.

  Lo sforzo che ha richiesto ripensare e realizzare la manifestazione in digitale, è stato direttamente o inversamente proporzionale al successo riscontrato?

  Avendo deciso immediatamente di lavorare nell’ottica che questa parte della manifestazione rimanga e si consideri in futuro ( e probabilmente nel prossimo futuro sarà ancora quella principale, se non esclusiva), tutti gli investimenti e gli sforzi fatti sono stati assolutamente ripagati dal buon successo avuto dall’iniziativa e dove anche i numeri sono stati talvolta più bassi dello sperato – ma ci sono delle ragioni e le vedremo – non era nella logica solo dei numeri immediati che si stava lavorando, per cui siamo soddisfatti di ogni scelta effettuata.

  Per quanto riguarda i risultati: sono stati molto soddisfacenti in termini di adesioni da parte delle aziende e di ritorno economico. Un po’ meno positivi dello sperato i dati riguardanti il pubblico fruitore, ma bisogna tener conto che a fine giugno già il lockdown era finito, si circolava nuovamente e molta gente era saturata dalla fruizione di contenuti online.

  Comunque anche questi numeri sono stati soddisfacenti: abbiamo avuto più di 100.000 contatti unici.

  Ci sono esempi di capitoli di offerta al pubblico, interamente nuovi, nati grazie al fatto di lavorare in digitale?

  Due sono state per noi le novità, anche se non si tratta di novità assolute.

  Una piattaforma dedicata ai webinars – che abbiamo chiamato Fuorisalone Meets – per permettere alle aziende di incontrare direttamente un pubblico specializzato che arrivava in parte dalle aziende stesse e in parte dal nostro portale; in media gli incontri avevano un pubblico di 50-80 persone, ma si è anche arrivati a sfiorare i 500 partecipanti.

  Il formato Fuorisalone TV che ha implicato, per noi, produrre per la prima volta molti contenuti ad hoc in video. Tra i nostri e quelli proposti da partners e entità varie con cui abbiamo collaborato, in tutto sono stati caricati ben 400 video.

  Si notava molta differenza tra la qualità e la pregnanza dei video proposti, ma questo anche perché per alcune aziende il video non era e non è ancora un mezzo di espressione ufficialmente inglobato nella strategia di comunicazione e con una vita a se stante; questo è un aspetto su cui si dovrà lavorare sempre di più, in futuro, e su cui anche noi vogliamo investire.

  Credi che ci siano degli aspetti della manifestazione che si sono hanno particolarmente giovati del fatto che questa fosse interamente  in digitale, e altri che hanno particolarmente sofferto, per questo motivo?

  Ciò che si perde è naturalmente l’esperienza dal vivo, una parte di eccitazione e una  buona parte di componente emozionale; più ancora si perde la sorpresa e la casualità negli incontri e nelle esperienze anche inattese, che si possono avere normalmente passeggiando per le strade delle aree del Fuorisalone, in cui sono radunati tanti luoghi di interesse, installazioni, esposizioni…

  D’altra parte, ci sono alcuni vantaggi, di cui si può beneficiare: se si ha un budget limitato è possibile, impiegandolo bene, ottenere anche molto di più da un’azione in digitale che da una fisica.

  Inoltre, la ‘coda’ dell’interesse suscitato è molto più lunga perché i materiali possono rimanere in rete e possono essere riproposti anche su altre piattaforme, successivamente ed essere visionati, comunicati, e fruiti anche oltre i giorni della manifestazione.

  Per queste ragioni, siamo convinti che esperienza fisica e digitale siano e debbano essere il più possibile complementari, anziché esclusive l’una dell’altra.

  Come è stata accolta la proposta dai vostri referenti e clienti principali?

  Avete incontrato particolare resistenza o scetticismo da parte di alcuni soggetti?

  Un po’ di scetticismo o di timore si è avuto da alcune delle aziende più piccole, che faticano a ridefinire le proprie azioni di intervento e faticano a prendere iniziative decise.

  In generale le grandi aziende hanno invece quasi tutte accolto con estremo favore l’idea di usare il mezzo digitale (e l’idea di non disperdere il lavoro di preparazione dei prodotti, fatto per la fiera).

  Gli stranieri sono quelli che hanno dimostrato maggior entusiasmo e spesso maggior preparazione, poiché già lavoravano molto anche su questo fronte, per la comunicazione. 

  Per quanto riguarda i media, l’iniziativa è stata molto apprezzata, accolta con favore e molto divulgata; pochissime sono state le critiche mosse.

  Come è stata giudicata l’esperienza, a posteriori, dagli stessi soggetti? (intendo, per esempio: si sono ricreduti, o meno, quelli scettici; si sono rivelati più o meno soddisfatto del previsto, ecc…)

  Noi ci siamo concentrati maggiormente sul dialogo con chi aveva dimostrato entusiasmo.

  Alcuni dei grandi brand si aspettavano numeri più alti, in termini di pubblico generico, ma è poi vero che non è il pubblico generico quello che fa crescere davvero il brand, per cui tutti hanno immediatamente riconfermato la presenza per l’edizione di ottobre “Milano Design City”.

  Rispetto ai brand più piccoli e non tanto convinti delle opportunità del digitale, c’è un lavoro da fare per abbattere alcune barriere e per spiegare che non ci sono degli svantaggi a lavorare sul digitale e anzi, spesso si rivela un mezzo più flessibile anche in corso d’opera, per cui comporta spesso meno rischi.

  In futuro, comunque, non si potrà prescindere dal curare anche questa parte; inoltre la propria presenza in rete non è completamente annullabile, perché il pubblico che compra i prodotti ne può scrivere e ne può pubblicare immagini; dunque, tanto vale essere in controllo della propria presenza sul digitale – anche rispetto ai social media – e avere delle strategia in merito.

  Come è stata accolta la manifestazione in digitale, dal pubblico – se avete potuto misurarlo? E quali sono le differenze principali nella fortuna riscontrata? 

  Frequentare un evento digitale è più faticoso che frequentarne uno fisico: è necessario prestare più attenzione, leggere, approfondire…

  Non sempre il pubblico generico ha la voglia, o la pazienza. Per cui la difficoltà è, per esempio, trattenere il pubblico che si collega o ottenere che si concentri su quanto sta frequentando.

  Questo è un tema che è cruciale anche per le aziende, ma è difficile farlo capire, ancora più difficile trovare la formula giusta per avere grandi numeri di contatto ma anche grande efficacia di riscontro economico, perché non è il pubblico generico che poi davvero compra i prodotti di design.

  In ogni caso, tolta la situazione di emergenza, in cui si è costretti a sospendere alcuni parametri, lo svolgimento in digitale, per una manifestazione o per una fiera, non è sufficiente, ma nemmeno sparirà.

  Nella mia previsione, per almeno un paio d’anni, le manifestazioni saranno costituite di piccole parti dal vivo affiancate da una grande parte di contenuti online.

  Pensi che vi doterete di personale specifico dedicato solo a questo ramo, per portare avanti la parte in digitale, o continuerete a gestirlo con lo stesso organico di oggi? E più in generale, credi che in futuro il “fattore digitale” inciderà in modo significativo sull’intero bilancio della manifestazione?

  Per tutta la parte di streaming e di gestione delle riprese e messa in onda, ci siamo dotati di partner esterni e così continueremo a fare.

  Credo che assumeremo una persona incaricata dell’ottimizzazione della presenza digitale (tema SEO, diffusione della nostra presenza sui social media, ecc) e poi una persona – magari proveniente dal mondo dell’editoria – incaricata di lavorare specificamente sui contenuti, sia innalzandone la qualità, sia producendone di nuovi.

  Per quanto riguarda la parte economica, decisamente sì, il fattore digitale incide già oggi: i distretti del fuorisalone che resistono da anni sono quelli con la miglior reputazione online e capacità di vendere e creare format di comunicazione.

  Hai incontrato esempi di manifestazioni virate in digitale, particolarmente notevoli per qualità, creatività, efficacia o interesse, che ci puoi segnalare?

  E quali sono gli elementi di spicco, di questi esempi che ti hanno ben impressionato?

  Per ora, non particolarmente.

  Abbiamo provato ad esplorare ciò che è stato fatto da alcune grandi fiere e da entità simili alle nostre, ma la maggior parte sembra aver lavorato finora soprattutto per far fronte all’emergenza, ma non producendo modalità innovative di intervento.

  Bisogna dire che siamo anche a un punto di grande svolta: alcune aziende, poste di fronte al fatto che una fiera o una manifestazione collettiva diventi unicamente digitale, potrebbero decidere – e in alcuni casi è già successo – di non prendervi più parte, rinunciando decisamente a partecipare alle fiere o ai grandi raduni di settore.

  D’altra parte, è vero che le fiere sono un’occasione anche per moltiplicare il battage, su un settore, ma come già detto, spesso non è il pubblico generico che fa la differenza in termini di successo economico, specialmente su alcuni prodotti molto specifici o molto costosi.

  La fiera “E3 – Electronic Entertainment Expo”, per esempio, è stata cancellata quest’anno perché, le aziende di gaming che hanno nel  digitale il proprio specifico, non hanno ritenuto particolarmente vantaggioso partecipare alla fiera in modalità unicamente digitale, ma piuttosto presentarsi ai propri clienti con i propri tempi e con le proprie modalità desiderate.

  Chi ha maggiore interesse rispetto al fatto che le fiere si svolgano fisicamente sono le città, per via dell’indotto che le fiere generano; ma le città per ora non sembrano aver avviato una riflessione rispetto alla crisi di questo settore e alle azioni che occorrerebbe fare per reagire.

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  16 settembre 2020

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• Fuorisalone digital

  

  “Siamo convinti che esperienza fisica e digitale siano e debbano essere il più possibile complementari, anziché esclusive l’una dell’altra”

  ^{Cristian Confalonieri}

  Alla cancellazione del Salone del Mobile – iniziata con il ritiro delle delegazioni cinesi in febbraio e proseguita i primi di aprile con l’intero annullamento dell’evento – la società che gestisce l’entità Fuorisalone.it – Studiolabo – decide di reagire attivamente, non annullare in toto l’evento, ma virarlo piuttosto in digitale e riprogrammarlo per giugno, dal giorno 15 al giorno 21.

  Si ragiona e si cerca di coinvolgere le aziende intorno al fatto di non disperdere il lavoro fatto in preparazione della fiera, ma anche di non rinunciare ad un momento importante di contatto con la clientela che si raduna normalmente in occasione della fiera e di non sparire per un tempo indeterminato, agli occhi del grande pubblico del Fuorisalone.

  Vengono ideati dei nuovi format per l’occasione ed implementati altri già presenti sul sito, che andavano ad integrare i contenuti e gli eventi fisici proposti dalle aziende facenti parte della rete. 

  Le novità sono rappresentate soprattutto dall’introduzione di due nuovi ambienti – Fuorisalone TV e Fuorisalone Meets e due nuovi canali: Fuorisalone Japan e Fuorisalone China – questi ultimi nati per primi al momento in cui la partecipazione delle due nazioni era stata sospesa, in febbraio.

  Fuorisalone TV rappresenta un palinsesto di contenuti in video che includono live talk, anteprime di prodotto, documentari, lezioni, interviste, format innovativi e performance.

  Alcuni contenuti vengono caricati per restare, altri sono disponibili solo durante le giornate ufficiali di svolgimento della manifestazione.

  La piattaforma ha un design sul modello di Netflix, per rendere immediata la comprensione del concept. 

  

  Il palinsesto viene arricchito inserendo i contenuti proposti da diverse entità che si occupano di design, con cui Studiolabo stringe delle collaborazioni: strisce quotidiane, collezioni di video;  serie di brevi tutorials…

  Certamente questo è un punto su cui si gioca molto dell’interesse in questa operazione e in generale su tutte le operazioni di palinsesto in digitale, perché la varietà e la autorialità diversa dei contenuti presentati, nonché la quantità e la specificità, si possono ottenere solo facendo squadra con realtà ed autori diversi.

  Fuorisalone Meets, è la piattaforma dedicata ai webinar che permettono di mettere in contatto diretto le aziende con i partner, clienti, rivenditori e con un pubblico di addetti ai lavori, per discutere tecnicamente dei prodotti proposti, ampliare potenzialmente al propria clientela e soprattutto per sopperire alla mancata possibilità di incontrarsi di persona, a Milano.

  Anche qui, grande potenzialità per il futuro, considerando che le aziende beneficiano molto maggiormente del dialogo con addetti ai lavori e clienti specifici, che in prospettiva potrebbero essere ampliati e raggiunti in tutto il mondo, non esclusivamente tra quelli che viaggiano per raggiungere la fiera di Milano e non necessariamente solo in quel periodo.

  Molte di queste considerazioni si trovano in una bella intervista di Giulia Marani per Artribune a Cristian Confalonieri – co-fondatore di Studiolabo – condotta in previsione dello svolgimento del Fuorisalone Digitale.

  Noi abbiamo intervistato Cristian Confalonieri a posteriori, per avere qualche racconto e qualche nota aggiuntiva sull’esperimento e un suo parere sul destino della piattaforma così implementata.

  Intervista a Cristian Confalonieri

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  15 settembre 2020

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• Altre istituzioni culturali dopo il lockdown

  

  “Ci siamo trasformati improvvisamente in un broadcaster”

  ^{Giovanna Melandri *}

  Nella maggiorparte dei casi, per la riapertura, i musei, oltre a ridare il via alle normali attività di visita – spesso istituendo un biglietto di ingresso temporaneamente gratuito o a prezzo ridotto, per invogliare i visitatori – mantengono alcune attività in remoto e nei casi più felici propongono attività speciali nei propri spazi all’aperto.

  La Triennale di Milano, si distingue di nuovo per aver messo a punto, in tempo per la riapertura, il 15 giugno, un intero e ricco calendario per 4 mesi di appuntamenti da fruire nel bel giardino, intitolato: “Triennale Estate – Un giardino di voci e colori”.

  

  Si tengono incontri, proiezioni, lectures, cabaret, eventi live, festival, attività per bambini e ragazzi, organizzati anche in collaborazione con diversi entità culturali, cui viene proposto di beneficiare dello spazio per proporre le proprie attività e arricchire il calendario generale. La disponibilità a “fare sistema”, che la Triennale di Milano ha dimostrato fortemente negli ultimi anni, ma che non è comune tra le grandi istituzioni culturali, in coincidenza con l’emergenza si amplia e contagia alcune altre istituzioni.

  Si può dire che nell’immediato, questo sia  uno dei risvolti positivi di questa crisi. 

  Oltre a questo, la disposizione – nata per necessità e poi cresciuta in modo più consapevole e in alcuni casi poi esplicitata – a rivedere i presupposti della propria funzione, i propri obiettivi e i possibili sviluppi per il futuro, provando a ripensarsi e ad immaginare quali soggetti esterni eventualmente provare a coinvolgere per avviare un processo di crescita e di evoluzione.

  Il MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo – di Roma, a pochi giorni dalla riapertura, propone una giornata di celebrazione per i “10 anni di MAXXI“; si tratta di un piccolo festival che si svolge in piccola parte in presenza, ma soprattutto online, in diretta su tutti gli account dei Social Media afferenti al Museo e sul sito del quotidiano La Repubblica.

  In una “maratona”, lunga un’intera giornata, di interviste, dibattiti e dialoghi, condotta dalla Presidente del museo Giovanna Melandri, si incontrano direttori di musei, personaggi della cultura, politici, operatori culturali, artisti, grandi istituzioni italiane e internazionali, architetti, designer, critici, curatori, scienziati, tutti in qualche modo legati alla storia del MAXXI, o invitati a proporre visioni per il futuro di questa grande istituzione.

  I due grandi filoni della giornata sono proposti come: “Il MAXXI nel mondo, ovvero sono ancora necessari i musei globali?” e “Verso un nuovo ecosistema della creazione”.

  Non è il formato in sé, qui, a generare interesse, ma piuttosto il fatto che la giornata sia pensata per essere fruibile in remoto, avendo in mente di aprirsi al pubblico più eterogeneo possibile; lo dimostra il fatto che la giornata sia trasmessa su tante piattaforme diverse, tra Facebook, Twitter, YouTube e LinkedIn, cosa che non si sarebbe progettata fino a sei mesi fa, se non probabilmente con il sito de La Repubblica, da sempre partner del museo e affamato di contenuti digitali.

  Estremamente interessante la conversazione tra Stefano Boeri – presidente della Triennale di Milano e Giovanna Melandri – presidente del Maxxi, durante una delle interviste su Instagram live per il “Decamerone” della Triennale, in maggio.

  Emerge molto forte, nella conversazione tra i due, il tema della condivisione di intenti e della interconnessione tra le grandi istituzioni, soprattutto tra quelle simili per dimensione, vocazione e natura giuridica.

  Questo, non solo in merito alla programmazione, ma anche rispetto al ruolo che le grandi istituzioni potrebbero ricoprire come piattaforme di produzione di formazione e di ricerca, oltre che museali e di produzione culturale.

  Nel momento in cui si sono dovute compiere scelte drastiche in materia economica e di struttura del personale – fa notare la Melandri –  in totale contrasto con le scelte compiute per esempio dal Met o dal Moma a New York, che nelle difficoltà hanno tagliato innanzitutto sul personale incaricato dei percorsi didattici, le grandi istituzioni italiane, con atteggiamento che potremmo definire molto più europeo in cui vive il concetto di cultura legata al sistema del welfare, si sono scoperte più che mai legate alla volontà di non rinunciare ma anzi potenziare, in prospettiva, le attività formazione e di incidere sulla scolarizzazione (l’abbiamo visto parlando anche per esempio degli Uffizi in lockdown).

  Molta attenzione – molta più che in tempi normali – è stata dedicata ai bambini, in questo periodo complicato, da parte dei musei che si sono prodigati nel proporre attività di laboratori online, lettura di racconti, proposte di giochi e in prospettiva molto di più ancora si potrebbe immaginare non solo in collaborazione con le scuole primarie, ma con gli istituti di educazione a tutti i livelli.

  Discutono Boeri e la Melandri, di come, in accordo e in collaborazione con gli atenei e con i ministeri di riferimento, si potrebbero mettere molto maggiormente a patrimonio i lavori di ricerca sugli archivi e i percorsi didattici, finanziando per esempio le ricerche, o istituendo dei Master o dei corsi di istruzione superiore legati a queste istituzioni.

  Su questi stessi temi e in questo spirito lavora moltissimo il Polo del ‘900 a Torino, per volere del direttore Alessandro Bollo, che in coincidenza del lockdown, si distingue, come poche altre istituzioni, per essere riuscito a virare totalmente in digitale il festival “Archivissima”, dedicato agli archivi italiani e non solo, previsto come ogni anno per maggio e svoltosi regolarmente ed interamente online. 

  Con una virata di sorprendente rapidità ed efficacia, si trasforma in digitale anche il “Fuorisalone“ di Milano, evento diffuso legato al Salone del Mobile, che mette in rete le centinaia di locations, eventi ed installazioni satellite che si svolgono al di fuori della fiera.

  Il New Museum di New York – la cui direzione artistica è curata da Massimiliano Gioni – propone per esempio, tra maggio e giugno un progetto di Maurizio Cattelan intitolato: “Bed Time Stories” (molto interessante l’intervista a Massimiliano Gioni per la serie su Instagram live “exibart.live”). Si Tratta di una serie di Podcast in cui artisti e performer, selezionati e invitati da Cattelan, leggono dei brani dai propri libri preferiti.

  

  Che siano tratte dalla memoria, dall’immaginazione o da preziosi volumi tenuti a portata di mano, le registrazioni degli artisti sono state catturate rapidamente in modo non filtrato su telefoni o laptop nelle loro case o negli studi di tutto il mondo.

  Alcuni hanno scelto di leggere brani da opere che hanno ammirato, altri di leggere i propri scritti, altri ancora di creare performance improvvisate. Intervengono, tra gli altri: Iggy Pop – tra quelli che leggono una propria storia originale – David Byrne, Tracey Emin, Michael Stipe, Jeff Koons, Elizabeth Peyton…

  L’idea, in questo caso, nasce dal bisogno di tenersi compagnia durante l’isolamento; ma dà il via alla possibilità di coinvolgere personaggi e artisti legati a questo o a qualsiasi altro museo, per studiare infiniti possibili format di approfondimento o intrattenimento, tramite i podcast, formato che anche grazie a piattaforme come Soundcloud o Spotify, va diventando sempre più popolare.

  

  ^{Maurizio Cattelan, “Bed Times Stories”, per il New Museum di New York ©Maurizio Cattelan/ Paolo Ferrari}

  Cosa caratterizza in buona parte il periodo del dopo-lockdown, sono gli eventi ibridi.

  Partono immediatamente dopo il lockdown inizialmente più intorno agli incontri di  parola – lectures, conferenze, dibattiti – che riprendono nella versione “in presenza”, come abbiamo visto con forte limitazioni e simultaneamente in digitale.

  Un perfetto esempio di questa modalità è rappresentato dalla conferenza “Smart City – Resilience – How will Berlin look like in 2022”, organizzato dall’agenzia Berlin Innovation Agency: classico evento destinato ad un pubblico di professionisti che si ritrovano non solo per ascoltare una serie di interventi su un tema, ma anche per portare il proprio contributo e fare networking con colleghi già conosciuti e con colleghi non ancora incontrati.

  Volendo coinvolgere anche un pubblico collegato in remoto, gli interventi sono trasmessi via Youtube e partecipare in modalità remota non ha alcun costo (mentre partecipare dal vivo comporta un costo, seppur molto accessibile di 4€ e la necessità di prenotare per tempo, data la limitazione nei posti disponibili in sala).

  Sono poi messe a disposizione, per chi partecipa in digitale, altre due piattaforme:

  • una lavagna interattiva e collaborativa, che viene intitolata “Smart City Brainstorm Board” e predisposta su una bacheca del sistema Miro, mirata a raccogliere tutte le domande, idee e contributi, condividere le proprie opinioni e entrare in connessione con gli altri partecipanti
  • una videochat interattiva, perché i partecipanti in remoto possano connettersi tramite streaming video, tramite la piattaforma Zoom. Un moderatore del team organizzativo presente alla chiamata e aiuta a smistare e trasmettere le domande e i commenti al pubblico in sala, o può aprire delle ‘stanza’ separate per sottogruppi di lavoro omogenei, se necessario.

  Infine, come follow up dopo l’evento, viene attivato un gruppo Linkedin per poter proseguire eventualmente la conversazione con gli speaker e con i partecipanti e messa a disposizione la registrazione dell’evento e una selezione di foto scattate durante l’evento.

  Il raddoppio in digitale va a garantire, in questo modo, che gli interventi della conferenza possano essere fruiti anche successivamente e che il dibattito possa proseguire collettivamente anche oltre il giorno dell’evento.

  Al contempo, la possibilità di seguire l’evento in remoto, ha la potenzialità di attrarre un pubblico di non addetti ai lavori molto più numeroso di quello che sarebbe intervenuto altrimenti, poiché si annulla ogni difficoltà logistica, ogni costo e – per essere onesti – anche la necessità di una dedizione totale a seguire le vicende della conferenza (potendo, in remoto, svolgere anche altre attività, mentre si seguono in video le vicende che altrove accadono dal vivo).

  Questo episodio può dunque essere preso come fluido ed efficiente esempio di evento ibrido di base. Da qui ha senso partire – e questa sarà la sfida dei mesi e anni a venire – perché l’interattività e l’offerta in digitale, nonché l’attrattività, l’originalità e l’efficacia nell’utilizzo del mezzo digitale, siano implementate.

  Sempre più spesso si parla di implementare queste esperienze, per i partecipanti, con ologrammi, video 3D, realtà virtuale, ma non è (o non solo) sugli effetti speciali si gioca il futuro del digitale, come elemento significativo nella programmazione di un evento o di un sistema di progettazione culturale. Il vero elemento che rende apprezzabile l’integrazione del digitale nel sistema di fruizione di un evento, è l’offerta e la produzione di contenuti significativi immaginabili esclusivamente in digitale, che arricchiscano le attività in cartellone.

  Se sarà verificata la teoria secondo la quale la partecipazione agli eventi “in presenza” diventerà in futuro il vero lusso, sugli elementi sopracitati di spettacolarità del digitale, ma anche sullo storytelling si giocherà la possibilità di riscatto della componente digitale.

  ^{* Presidentessa MAXXI di Roma}

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  14 settembre 2020

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• Altre istituzioni culturali in lockdown

  

  “Looking back, we were the luckiest people in the world. There was no choice but to be pioneers; no time to be beginners”

  ^{Margaret Hamilton *}

  Abbiamo visto come tante istituzioni d’arte abbiano messo a punto cicli di interviste e altri progetti in formato digitale, nati in reazione all’emergenza e all’immobilità in cui piomba il mondo a partire da marzo 2020, per restare in contatto con il proprio pubblico.

  Allo stesso modo, tante altre istituzioni culturali, di vario genere e natura disciplinare, quelle che animano la vita delle città e quelle che normalmente ospitano nelle proprie sedi attività diverse, sentono il bisogno di produrre dei contenuti che possano tenere aperto un filo diretto con il proprio pubblico, dimostrando anche la propria disponibilità ad essere presenti, attivi e con uno sguardo comunque rivolto al futuro, alla ricerca di un equilibrio tra il non cedere allo sconforto e il non sottovalutare la gravità del momento.

  Mentre più semplicemente certi appuntamenti si mantengono in calendario, volgendoli ad una versione online, o altri nascono ad hoc, in conseguenza del lockdown, più interessante è vedere come molte istituzioni si ingegnano a reinventare delle attività compatibili con la situazione logistica, ma nate specificamente sul tema della pandemia o intorno al mezzo digitale, per andare a rappresentarla e a rappresentarsi.

  Prenderemo qui in esame alcuni esempi italiani di istituzioni che hanno saputo tenere insieme le squadre di lavoro, i cui membri si sono ritrovati improvvisamente fisicamente distanti e ideare, senza esitazione, delle attività di contenuto rilevante, modellate sul digitale e sui propri mezzi a disposizione.

  Il Circolo del Design a Torino, con la collaborazione di Elisabetta Donati de Conti, mette a punto un progetto intitolato “Welcome to the Post-analog Condition”: “un archivio digitale che il Circolo del Design costruisce in tempo reale per innescare e stimolare una riflessione condivisa in relazione alla pandemia causata dal Covid-19 in tutto il mondo”.

  

  Si raccolgono delle interviste scritte, tracce audio e tracce video  di progetti che in senso lato riportano a riflessioni diverse sulla condizione del mondo in difficoltà, articoli di presentazione di una serie di libri e una scelta di progetti artistici e di design del passato con cui guardare il presente, a cura di diversi  protagonisti del mondo del design contemporaneo.

  

  E’ un progetto in divenire che va arricchendosi ogni settimana di nuovi spunti e che ha tutti i presupposti per divenire una bella traccia di riflessione collettiva sui presupposti teorici che ci hanno guidati fin qui, cui guardare per immaginare un futuro che contenga e vada oltre tutto ciò che già siamo. 

  

  BASE MILANO decide invece di muoversi su più fronti con diversi piccoli progetti.

  “VICINO VICINO” si intitola il progetto costruito intorno al concetto di comunità: “Vogliamo conoscere meglio i nostri vicini, usando il digitale fino a quando non potremo entrare nelle rispettive case”, scrivono da Base e avviano un “take over delle Stories dall’account Instagram affidate ogni settimana a un diverso vicino, tra i tanti creativi e operatori culturali, con cui Base è in diretto rapporto, cui si chiede di presentare se stesso e una propria giornata tipo.

  E’ bello immaginare lo schermo dello smartphone trasformato in una finestra sul mondo, che si apre più in là di quanto non si possa aprire la vera finestra di ognuno, nell’immobilismo in cui è piombato il mondo; ed è bello pensare che alla ripartenza delle attività, si siano scoperte realtà diverse con cui,in prospettiva, poter fare rete per davvero.

  Anche divertente è andare ad esplorare come ognuno dei personaggi coinvolti decida di usare il mezzo Instagram Story: stili, colori, tone of voice, attività diverse.

  

  

  Parte sul sito di Base anche una sorta di rassegna stampa, intitolata “Lookout”  suddivisa per temi, che raccoglie articoli di particolare spicco che raccontano l’evolversi rapido del contesto sociale durante il Covid-19: “Il nostro osservatorio sulla realtà, per raccogliere spunti e districarsi nell’affollato mondo dell’informazione. Un archivio in continuo aggiornamento, suddiviso per i temi che più ci stanno a cuore: nuovi e vecchi linguaggi e significati collettivi; il lavoro e le industrie creative e culturali; il mondo com’è e come vorremmo fosse; mix & match, extravaganza e curiosità”.

  In parallelo, come abbiamo visto essere un’onda molto popolare, Base organizza delle interviste live su Instagram, condotte da Pietro Corraini, editore e grafico, nonché art director di Corraini Editore e collaboratore di Base. Il calendario di queste interviste non è molto esteso, ma i contenuti sono molto interessanti; in particolare spicca l’intervento di Massimo Temporelli, intervistato sul ruolo dei designer nel contesto dell’emergenza e in prospettiva in un mondo che dovrà rivedere l’uso degli spazi di vita e lavoro. 

  Purtroppo di queste interviste si è persa completamente traccia, in rete.

  La Fondazione Compagnia di San Paolo, mette a punto un ciclo di incontri intitolato “Relazioni – Idee per un futuro partecipato”, descritto come: “un ciclo di incontri nel quale tre protagonisti della cultura ci aiuteranno a riflettere, in un momento di grande incertezza, sul futuro delle nostre relazioni”.  

  Questo piccola serie, in particolare, si distingue per il carattere sapientemente equilibrato tra approccio fortemente umanistico e approccio tecnico, che offre proprio l’apporto di umanità di cui, abbiamo visto, nella primavera 2020 molto si sente il bisogno.

  Nata come contributo formativo a beneficio delle comunità di pratica che rientrano nell’Obiettivo Cultura della Compagnia, viene, a ridosso della andata in onda, aperto al pubblico; tecnicamente, questo avviene grazie al fatto che gli incontri si tengono online, ma è importante notare come questa decisione risponda in realtà anche alla percezione generale, che abbiamo già descritto, del bisogno comune di riflettere e ripensare ai modi e mezzi con cui si fa cultura.

  I titoli: “Responsabilità, relazioni, cultura” trattato dalla docente di filosofia Gloria Origgi, la cui ricerca verte sull’epistemologia e le scienze sociali applicate alle nuove tecnologie; “Geografie poetiche politiche”, trattato da Virgilio Sieni, danzatore e coreografo che lavora da molti anni sui temi della partecipazione e dell’inclusione; “La cultura oltre lo schermo” trattato da Simone Arcagni, docente universitario e ricercatore di pratiche ed estetiche dei media digitali, delle nuove tecnologie, di internet, dei social media.

  Particolarmente interessante qui anche l’espressione del contributo offerto dalla Compagnia, che sempre maggiormente si sta rivelando un alleato preziosissimo per chi lavora in ambito sociale e culturale, soprattutto in relazione al fatto di dimostrarsi motivata ad attivare molti progetti propri, a costruire i progetti insieme ai soggetti che beneficiano dei fondi e a mettere a disposizione la propria preziose e ampia rete di competenze, più che limitarsi a finanziare progetti già definiti.

  

  Altro progetto che riscuote molta meritata attenzione e si distingue per originalità, è ”Alfabeto Pandemico”, ideato da Ilda Curti e curato dalla rete Lo Stato dei luoghi – Rete nazionale di attivatori di luoghi e spazi rigenerati a base culturale. 

  ‘Quali parole abbiamo per costruire nuovi immaginari?’ è la domanda cui si chiede di rispondere, suggerendo quali parole si relazionino più direttamente allo stato sospeso che la pandemia ha generato e quali nuove accezioni possano acquisire queste parole, nell’esperienza di ciascuno.

  Lentezza, per esempio, che invade il tempo e fa vedere e udire tutto in modo aumentato, o Elastico, intorno alla dilatazione del tempo.

  Il progetto dell’alfabeto viene ideato e lanciato già a fine marzo e merita anche per questo una menzione speciale per la rapidità di pensiero e d’azione, che, come abbiamo visto, è uno dei fattori di scarto in termini di incisività dei progetti nati in emergenza.

  Citiamo infine Lapis, la SuperTV della Scuola d’Arte applicata di Milano.

  Se ogni istituzione scolastica, a partire dai primi di marzo e in moltissimi Paesi del mondo, ha dovuto fare i conti con le lezioni a distanza, via internet e tantissime sono le storie di successi e piccoli traguardi, oltre alle difficoltà oggettive che questo ha comportato, questo esempio, come gli altri sopra presentati, presenta un quid in più, in termini di concezione.

  Passando online, infatti la didattica perde le necessarie limitazioni nel numero di studenti in compresenza e anche le limitazioni nell’orario di svolgimento 

  Così, invece di limitarsi ad offrire agli studenti dell’istituto le lezioni online, Super, su iniziativa del direttore Stefano Mirti, decide di aprirsi oltre la scuola e di rivolgersi anche ad un pubblico generico.

  Il palinsesto di lezioni online, diventa il palinsesto di una piccola TV che va in onda tramite dirette su Facebook.

  Chiunque può seguire un numero consistente di lezioni online, gratuitamente, mentre a pagamento, su un numero di lezioni selezionate, si può ottenere di avere le revisioni dei docenti sui propri elaborati. 

  Ciò che si paga, cioè, sono il tempo e l’attenzione dedicati in esclusiva.

  In programma ci sono varie rubriche: Atelier, per esempio, che raccoglie i laboratori di arte applicata; Kids, dedicato ai ragazzi, poi incontri con professionisti che collaborano con la scuola, lezioni di gioco, corsi di cucina, concerti live…

  Con la campagna di crowdfunding, lanciata in giugno e volta a finanziare le attività dei prossimi mesi, si conferma che questa parte di didattica, ancora in sperimentazione, ma con buone prospettive di crescita, non si chiuderà con questa stagione, ma diventerà parte integrante della scuola, anche negli anni a venire, andando a coprire un nuovo settore di interesse.

  Questo si può considerare un esempio luminoso di come un ente di piccole dimensioni, abbia saputo reagire positivamente alla situazione anomala e improvvisa, con la sola forza di un’idea, andando addirittura ad aprire, in coincidenza con la pandemia, un nuovo capitolo di lavoro.

  Testate l’efficacia e i limiti di questa intuizione, lavorando inizialmente con i mezzi semplicissimi a disposizione del personale coinvolto, ora si punta a crescere, coinvolgendo probabilmente in futuro qualche professionista dedicato e investendo in attrezzature che permettano di implementare l’idea con nuovi aspetti e funzionalità.

  ^{* Scienziata e informatica, ingegnere di sistemi e imprenditrice americana. È stata direttrice della divisione di ingegneria del software del MIT Instrumentation Laboratory, che ha sviluppato il software di volo a bordo per il programma Apollo della NASA.}

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  6 settembre 2020

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• Bottom Up! Voci

  

  “Bottom Up! VOCI”, il gruppo Facebook del festival “Bottom Up!”, un laboratorio di visioni, di idee poetiche e stravaganti ma al tempo stesso convincenti, per provare a guardare oltre”.

  ^{Maurizio Cilli e Stefano Mirti *}

  L’edizione 2020 del Festival di Architettura di Torino, si concretizza nel progetto  “Bottom Up! – Quando la città si trasforma dal basso” redatto da Maurizio Cilli e Stefano Mirti, vincitore del bando di concorso indetto nel 2019 dall’ordine degli Architetti di Torino.

  Accertata l’impossibilità a mantenere in calendario gli appuntamenti pubblici che erano previsti per il maggio 2020, i direttori decidono a sorpresa di non cancellare il festival e tentare invece di  trasformare la formula di presentazione al pubblico, svolgendo il festival in formato interamente digitale.

  Il festival si svolge così in diretta Facebook, una volta alla settimana, per un’ora, il venerdì pomeriggio. 

  Proprio durante lo svolgimento delle prime dirette, in seguito al ricevimento in chat di numerosi spunti, segnalazioni e contributi spontanei, da parte degli ascoltatori collegati, nasce l’idea di mettere a patrimonio questi materiali, radunandoli e invitando gli ascoltatori a contribuire costantemente o allargare l’utenza del gruppo a quanti possano essere interessati a partecipare.

  

  Nasce così un vero e proprio progetto a latere, intitolato “Bottom up! Voci” che si concretizza in un gruppo chiuso su Facebook e vuole essere un luogo di ritrovo comunitario alla ricerca di visioni laterali e fuori dall’ordinario intorno ai temi della città, dell’abitare e dei modi di vita e di convivenza, in trasformazione, nell’ottica di riplasmare il mondo per far fronte alle travolgenti novità.

  Si può depositare materiale, scambiare informazioni ed esperienze, condividere testi e articoli, segnalare libri, eventi, esperimenti – tutti di carattere non commerciale.

  

  Chiunque può chiedere di iscriversi e contribuire alla raccolta e alla discussione e tutto il materiale raccolto viene poi catalogato e raccolto dai due direttori di Bottom Up!, in una sorta di archivio digitale, il cui destino è ancora in definizione.

  Questa versione del festival, trasformato in digitale, accresce ancora maggiormente la dimensione partecipativa, che già caratterizzava il progetto originario per il festival. 

  

  Si mette a patrimonio, cioè, la facilità ed immediatezza con cui si può generare e partecipare ad un lavoro di gruppo, usando la rete e si sfrutta appieno anche la possibilità di implementare, trasformare e rimodulare il progetto in corso d’opera, altra caratteristica peculiare della dimensione digitale. 

  Svariate sono le possibilità di implementazione della versione digitale e quelle di collaborazioni con realtà attive sugli stessi temi; resta da vedere cosa ne sarà di questa ramificazione inattesa del festival, negli anni a venire.

  

  ^{* direttori del festival di architettura di Torino “Bottom Up!”}

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  2 settembre 2020

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• Festival “Bottom Up!”

  

  “Siamo in uno di quei passaggi in cui i “matti” hanno molta più lucidità di quelli normali, generando idee che sono a un tempo poetiche, meravigliose e anche – in alcuni casi – molto convincenti. Paradossalmente, sono proprio gli sguardi irregolari ad aprire le strade verso visioni generative aperte verso il futuro”.

  ^{Maurizio Cilli e Stefano Mirti *}

  Per l’edizione 2020 del Festival di Architettura, l’ordine degli Architetti di Torino ha assegnato la curatela del festival al progetto “Bottom Up! – Quando la città si trasforma dal basso” redatto da Maurizio Cilli e Stefano Mirti, vincitore del bando di concorso che era stato indetto, per dare una nuova natura al festival.

  A chiusura del lavoro svolto per un anno, la parte pubblica del festival era prevista a Torino per i primi di maggio. Naturalmente, a fine marzo viene decretata l’impossibilità a mantenere in calendario gli appuntamenti pubblici come erano stati progettati.

  I direttori però decidono di non cancellare il festival, ma bensì trasformare la formula di presentazione al pubblico, e svolgere ugualmente il festival in formato digitale.

  Recita il comunicato stampa:

  “Il sopraggiungere dell’emergenza sanitaria non determina semplicemente il trasloco di Bottom Up! su format 100% digitali e il rinvio delle campagne di crowdfunding all’autunno: è anche l’occasione, infatti, per ridefinire gli obiettivi del festival che mantenendo il suo carattere sperimentale si trasforma in un osservatorio, un laboratorio di idee sul futuro dopo la fine del lockdown. Al centro della riflessione, in particolare, le ricadute sull’organizzazione dei contesti urbani, sulla progettazione degli spazi abitativi e sulla vita delle comunità. Via libera quindi alle “intuizioni spontanee” della comunità di Bottom Up! che, in questo momento, diventa ancor più coesa e partecipata”.

  Il festival si svolge così in diretta Facebook, una volta alla settimana, per un’ora, il venerdì pomeriggio. 

  Ogni settimana uno dei progetti selezionati per il festival viene presentato dagli autori e poi i due direttori invitano due o tre ospiti che possano contribuire utilmente al dibattito sul tema del festival – trasformare la città dal basso – e anche al dibattito in corso nella società in generale, sul ruolo e il destino del design come disciplina, in un mondo in rapidissima ed inaspettata trasformazione.

  Grazie alla soluzione digitale, gli ospiti, così come il pubblico partecipante, possono partecipare anche da fuori Torino e questo arricchisce e estende la conversazione in modo potenzialmente illimitato.

  La nuova formula del festival prende forma man mano, fino a presentare le caratteristiche di un vero e proprio format, con tanto di grafiche dedicate, sigla iniziale, contributor fissi.

  Parte del processo di costruzione in divenire, della nuova formula del festival, è anche la nascita del progetto a latere, intitolato “Bottom up! Voci” – piattaforma collaborativa nata per raccogliere tracce di progetti e visioni, di design commissionato e a volte spontaneo, in coincidenza dell’esplodere della pandemia –  di cui abbiamo trattato in dettaglio in precedenza.

  ^{* direttori del festival “Bottom Up!”}

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  28 agosto 2020

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• Le città

  

  “Proprio come in un racconto fantastico, le città sono scomparse: per difendersi da un nemico invisibile ma potente hanno scelto l’esilio, si sono messe al bando dichiarandosi fuorilegge e ora giacciono ai nostri piedi come in un museo archeologico o un diorama. Per difendere le vite dei propri abitanti, le città hanno commesso suicidio”.

  ^{Emanuele Coccia *}

  La pandemia ha trasformato la vita urbana in modo molto eclatante nei mesi in cui quasi tutte le città del mondo hanno imposto un lockdown, più o meno serrato e poi via via in modo meno impattante, con la ripresa della mobilità e delle attività economiche. 

  Nell’ipotesi di alcuni sociologi – citiamo per esempio l’articolo di William Davies su The Guardian: “The last global crisis didn’t change the world. But this one could” – queste trasformazioni potrebbero, come mai prima dell’epoca moderna, arrivare ad alterare le strutture di alcuni modelli economici e di vita.

  E’ certo, comunque, che questo arresto abbia accelerato, anche in materia di studi pianificazione sociologia ed economia delle città, le riflessioni e rivendicazioni intorno all’abitare e al convivere nelle città, che il tema già sollevava in modo sempre più pressante.

  

  Seppure in crescita costante, è cosa assodata che quasi tutte le città presentassero già prima di questa emergenza, elementi di crisi o di esasperazione tali da renderle al limite del vivibile, soprattutto per certi gruppi sociali. 

  Ben prima dell’esplosione della pandemia, diverse comunità urbane in tutto il mondo rivendicavano il diritto a trovare soluzioni abitative a costi accessibili e in generale reclamavano costi della vita inferiori e piani più forti per affrontare il cambiamento climatico e in direzione di uno sviluppo sostenibile.

  Alcune metropoli, divenute ormai quasi inaccessibili, come New York, vedevano persino i residenti lasciare la città, in modo strategico, a volte, ma più spesso forzato.

  Proprio a New York, al museo Guggenheim e proprio su questo tema – tanto da suonare quasi come un funesto presagio – aveva aperto il 20 febbraio la mostra curata dall’architetto di fama internazionale Rem Koolhaas insieme a Samir Bantal – direttore di AMO, il think tank dell’Office for Metropolitan Architecture (OMA) – intitolata “Countryside, The Future”.

  

  La mostra, poi sospesa e riaperta in luglio, affrontava urgenti questioni ambientali, politiche e socioeconomiche, analizzando i cambiamenti radicali avvenuti in centinaia di anni, nei territori rurali, identificati come “campagna”, e mettendo in luce come questi rappresentino il 98% della superficie terrestre non occupata dalle città.

  Se ne parla accesamente, in Italia, perché in aprile esce un’intervista di Cloe Piccoli a Koolhaas, su La Repubblica, intitolata “La campagna ci salverà”, in cui vengono molto ben presentati i temi e gli obiettivi perseguiti con le ricerca sui cui è basata la mostra al Guggenheim. 

  L’obiettivo della mostra, ripreso poi anche in un libro pubblicato da Taschen – “Countryside, Report” – è andare a stimolare la discussione sugli sviluppi nelle aree non urbane, creando un forte impatto di stravolgimento della percezione di questi territori. Non si immagina un mondo senza città, ma bensì un mondo che mette a sistema molto maggiormente sistemi di vita e sistemi economici diffusi al di fuori e in relazione con le città, per ottenere meno congestionamenti, meno esasperazione e più equità.

  Per questo, la mostra si interroga anche su: “la concezione moderna del tempo libero, sulla pianificazione su larga scala da parte delle forze politiche, sui cambiamenti climatici, i fenomeni di migrazione, gli ecosistemi umani e non umani, la conservazione guidata dal mercato, la coesistenza artificiale e organica e altre forme di sperimentazione radicale che stanno alterando i paesaggi in tutto il mondo”.

  

  Con la diffusione del Covid-19 e con tutte le conseguenze anche economiche e logistiche che la pandemia ha comportato, sono emersi in modo ancora più eclatante gli elementi di fatica e contraddizione che vivere nelle città comporta, soprattutto in termini di densità, di mobilità e di  accessibilità e soprattutto è emersa la necessità certamente contingente di provare a rivedere i modelli di sviluppo delle città.

  Messi di fronte alla domanda – che quasi ogni media e centinaia di panel e discussioni sul tema della città hanno rivolto a decine di esperti di pianificazione politica  e storia urbana in tutto il mondo – se si possa immaginare in estinzione il modello di città contemporanea, tutti sono più o meno concordi nell’affermare che le città si riprenderanno e troveranno il modo di ripartire e crescere di nuovo, anche economicamente, seppur con aggiustamenti di vario tipo e con dei ricambi nelle attività economiche e nella costituzione dei gruppi abitativi.

  Non tutti sono però dell’opinione che  le città continueranno a crescere al ritmo o secondo il modello con cui crescevano fino a pochi mesi fa e molti – o quasi tutti – affermano che questo non sia né auspicabile, né sostenibile, né forse del tutto possibile.

  Molte voci – e l’emergenza lo ha provato – sostengono che sia urgente disegnare dei modelli di crescita che enfatizzino l’inclusività, la sostenibilità e opportunità economiche eque.

  Si dibatte molto della necessità di intervenire su progetti relativi alla mobilità che prescinda maggiormente dall’uso delle auto private, ma anche sulle questioni relative al sovraffollamento –  a volte quasi al collasso – dei mezzi pubblici e sulle tante questioni irrisolte generate dal pendolarismo di massa.

  Richard Florida – docente alla School of Management and School of Cities dell’Università di Toronto, prevede che assisteremo a una “urbanizzazione inversa”, un modello che è accaduto più volte nel corso della Storia, in seguito alle grandi crisi o al declino economico: una migrazione dalla città che potrebbe lasciare spazio ad artisti, creativi e classi socio-economiche inferiori per rivendicare la città che è stata loro portata via in decenni di gentrificazione, ma che se dovesse fallire, porterebbe ad una perdita nella varietà della vita urbana e a una conseguente perdita di interesse dell’agglomerato urbano.

  Elenca, inoltre, undici punti di intervento che permetterebbero alle città di riprendersi e a convivere in parte, con la  pandemia, oltre ad innalzare la qualità della vita per i suoi abitanti e mantenerle vivaci, con un mix di offerta e di composizione sociale.

  Questi punti includono la diffusione del lavoro agile, il riconoscimento del valore del lavoro di molte categorie che svolgono funzioni indispensabili ma considerate di basso livello, ma include anche la messa a punto di azioni di protezione delle categorie impegnate nelle arti e nell’economia creativa: le città dovrebbero fornire consulenza e assistenza sulle procedure necessarie affinché queste categorie attualmente deboli non spariscano dal paesaggio urbano.

  Rispetto alla migrazione dalla città, si sono aperti molti canali di discussione, tra chi la ipotizza in modo più funesto e chi cerca di enfatizzare i benefici che questo potrebbe comportare, sia in termini di sostenibilità sia di innalzamento della qualità della vita.

  Stefano Boeri, intervistato da Brunella Giovara su La Repubblica, mette insieme diverse riflessioni sulla necessità di ripensare gli spazi nelle città, dando massima priorità alla possibilità di utilizzare e potenziare gli spazi aperti e gli spazi verdi, pianificando una mobilità sempre più green e sfruttando il patrimonio immenso, decisamente sotto sfruttato, che giace in molti borghi e centri abitativi rurali, in stato di abbandono. Accenna anche l’idea che siano le metropoli a studiare degli accordi di adozione e relazione diretta con alcuni di questi centri rurali, perché sia concretamente immaginabile e agevole per gli abitanti, una vita suddivisa tra campagna e città.

  Sono riflessioni ragionevoli e piuttosto moderate, ma il titolo tipicamente scandalistico, che viene dato all’articolo – “Via dalle città, nei vecchi borghi c’è il nostro futuro”, fa sì che si generino molte polemiche di ritorno, alcune più semplicistiche, alcune molto ben argomentate. Un esempio di queste ultime, è l’articolo di Roberto Reale, pubblicato dal collettivo Cieloterra Design, intitolato “Dimenticate Koolhaas e Boeri: il nostro futuro è (nonostante tutto) nelle città”, la cui dissertazione è improntata a confutare l’illusorietà semplicistica dell’auspicio che si abbandonino felicemente le città, soprattutto rispetto alla complessità dei meccanismi economici che dovrebbero supportare queste scelte e agli interessi in gioco.

  Entrano nelle critiche a queste ipotesi, anche tutte le note di scetticismo, che abbiamo visto, sulla reale efficacia dei rapporti lavorativi a distanza, in termini di creatività e innovazione.

  I ragionamenti di Boeri, comunque non si limitano al semplice invito a lasciare le città, ma riguardano anche elementi di innovazione nei modelli di sviluppo delle città stesse, improntati sul decentramento e sull’inclusione di grandi aree verdi e sempre improntati sull’idea di innalzare la qualità della vita degli abitanti, oltre a ridurre l’impatto ambientale.

  Il dibattito rimbalza persino tra i programmi radio e televisivi più popolari, tanto da concretizzarsi in un intervento di Boeri al programma  televisivo  “E poi c’è Cattelan” in prime time su Sky, di nuovo ripreso da RepubblicaTV con il titolo “La vita del futuro tra boschi e tetti: Stefano Boeri disegna le città di domani”. Intervistato da Alessandro Cattelan, Boeri presenta e schizza, brevemente, ma efficacemente, un esempio di modello di città del futuro, verde e diffusa su cui sta lavorando con il suo studio professionale, e alcuni spunti per ripensare sistemi di viabilità, di parziale autosufficienza, di relazione più equilibrata tra verde e costruito.

  

  Marca in modo deciso anche il tema dei tetti piani dei palazzi, come spazi ancora sottoutilizzati che in futuro potrebbero prendere un ruolo importante come quinta parete, utile per la socialità del condominio, per svolgere servizi (tipo la consegna dei pacchi mediante droni) e per aumentare le superfici verdi in città da dedicare, per esempio, a piccoli orti urbani. 

  Questo tema verrà ripreso spesso da Boeri, che si farà sfuggire, per esempio in dialogo con Giovanna Melandri per il “Decamerone” de La Triennale di Milano, l’intenzione di costruire in futuro una mostra a tema: “Roof”.

  Molto spazio a questi temi dedica anche la Triennale di Milano, da quando Boeri ne è il presidente; basti pensare al tema della XXII Triennale del 2019, “Broken Nature: Design Takes on Human Survival, highlights”, a cura di Paola Antonelli e ai simposi che si stanno tenendo per definire la Triennale prossima del 2022, per la quale ci si propone l’obiettivo di riprenderne in parte l’approccio e le tematiche che si sono dimostrate molto urgenti e in parte anticipatrici di alcuni dibattiti ora molto accesi e pressanti.

  Nel simposio di giugno, un intervento del filosofo Emanuele Coccia – che abbiamo visto essere uno dei personaggi più intervistati e più citati duranti i mesi della pandemia, riflettendo sul rapporto tra ecologia e casa, descrive le città come entità soffocate e soffocanti e ne immagina il suicidio come entità di convivenza, sgretolate in minuscoli spazi privati, a beneficio della sopravvivenza dell’uomo.

  

  Riprende vari concetti, Coccia, tra cui questo della necessità di riflettere sulla società contemporanea, strangolata dalla convivenza esasperata, già espressi anche in un altro suo articolo, citato in apertura, diventato quasi un manifesto e intitolato “Rovesciare il monachesimo globale”: “lo spazio della convivenza, dovrà essere costruito a partire dalla trasformazione delle celle monastiche in cui siamo chiusi. È trasformando e rovesciando questo monachesimo globale che riscopriremo la vita pubblica, non solo ripopolando le vecchie città”.

  Che una delle chiavi possibili per gestire al meglio il futuro della convivenza sul pianeta, stia nel ripensare i legami città-campagna è comunque un’ipotesi accreditata da più parti e rilanciata anche nell’articolo “Come cambierà completamente lo spazio, il cuore delle relazioni sociali” di Filippo Celata, che abbiamo già citato.

  Si scrive anche di come la situazione di isolamento generata dal lockdown, in molte città, abbia paradossalmente creato o rafforzato dei legami prima quasi inesistenti, come quelli di vicinato – interessante un filone di articoli sul tema, comparsi su The Guardian – e di come sia necessario riflettere sui rapporti di comunità – legati per certi versi anche quelli della sharing economy – che si creano molto più facilmente in comunità di piccola dimensione; il che riporta, in qualche modo al tema dei piccoli centri abitati o a modelli abitativi diffusi su nuclei minori, che  favoriscono questi legami e favoriscono la sopravvivenza di attività economiche di piccola scala. 

  

  

  ^{SX: Spesa sospesa, a Napoli (Source: Teleambiente.it) – DX: Tavoli solidali per i vicini in difficoltà, Derry, New Hampshire, USA © Charles Krupa / AP}

  Riflessioni in questo senso sono state fatte, come abbiamo visto, anche nell’ambiente dell’alta moda, rispetto ai danni di ritorno della globalizzazione dei sistemi di produzione, che illusoriamente hanno portato vantaggi grazie all’economia su larga scala, ma che si sono rivelati inefficienti, nel momento in cui la mobilità e i trasporti si sono drasticamente ridotti, o addirittura bloccati.

  Anche in questo senso, sembra importante riflettere su modelli che tendano a un’organizzazione della società in nuclei abitativi ridotti e a dimensioni di autosufficienza.

  Così, per esempio, Joel Kotkin – fellow alla Chapman University e direttore dell’Urban Reform Institute di Houston, nonché autore del volume: “The Coming of Neo-Feudalism: A Warning to the Global Middle Class”: “Man mano che più persone si spostavano verso la periferia, le città diventavano più sicure e più igieniche. Una strategia simile ci aiuterà in futuro. Una certa dispersione della popolazione potrebbe anche consentire la diffusione dei posti di lavoro e ridurre i costi degli alloggi urbani. La prossima generazione di periferie, tuttavia, dovrà essere progettata per emissioni inferiori, più lavoro da casa e spostamenti più brevi”.

  Molto affascinante, comunque, vedere questi dibattiti invadere i media più diffusi e coinvolgere un pubblico molto più esteso di quello abituale, limitato normalmente quasi esclusivamente  all’accademia e agli addetti ai lavori.

  Interessante sarà vedere se, anche grazie al fermento che si è generato nella società civile – motivata da necessità di reazione concrete ed impellenti per far fronte alla crisi – anziché cercare unicamente di ripristinare le città come le abbiamo sempre conosciute, si avranno l’immaginazione, la visione e la forza di impatto, per trasformarle a favore e beneficio del bene comune, prima che si arrivi a vederle implodere, soffocate dagli interessi economici di un gruppo sempre più ristretto di persone, risolute a non vedere la caducità e la fragilità dei sistemi di capitalismo esasperato.

  ^{* dal “Diario 2022”, scritto per la Triennale di Milano 2022}

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  27 agosto 2020

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• Museo MADRE

  

  “In questi giorni il nuovo ‘Metro di zucchero’ che ho in studio è fermo, i bar sono chiusi, niente caffè, niente bustine, niente opera; nel frattempo un metro è diventato anche un’ulteriore unità di misura, quella della distanza tra persona e persona. Quando questo metro di distanza tornerà ad accorciarsi e scomparire, allora il metro del Metro di zucchero tornerà ad allungarsi e l’opera sarà”.

  ^{Francesco Arena *}

  Alla chiusura delle sedi pubbliche, varie istituzioni culturali, rendendosi conto di dover mettere a punto un’idea per non interrompere la propria attività di produzione di cultura, hanno deciso di provare a coinvolgere, a volte nell’ideazione, a volte nella realizzazione di un’idea progettuale, la rete di attori costruita in anni di attività.

  Così, il MADRE, Museo d’arte contemporanea Donnaregina di Napoli, che in seguito alla chiusura straordinaria iniziata a marzo, ha invitato artisti e creativi, tra quelli legati storicamente al museo e altri, coinvolti tramite una call, a reinterpretare alcune parole e temi chiave legati al tema della pandemia e al momento di incertezza in cui è precipitata l’umanità: vicinanza, distanza, casa, isolamento, comunità, quarantena, famiglia, relazioni, trasmissione, solidarietà, contagio, spazio, confine, corpo, regole, abitudini, limite, contatto, mutazione, emergenza, abbraccio, opportunità.

  

  L’iniziativa è stata intitolata “#iorestoacasa con…”, riprendendo l’hashtag della campagna nazionale che invita a restare il più possibile isolati nelle proprie abitazioni. 

  La call to action aveva titolo: “How to change the world from your living room” ed è stata raccolta da un gruppo molto eterogeneo di artisti con espressività e pratica molto differente.

  Alcuni hanno prodotto dei lavori ad hoc, altri hanno proposto lavori precedenti legati ai temi proposti.

  Tutti i materiali in formato digitale – video d’arte, fotografie, videodocumentazioni di performances, brevi racconti – sono disponibili e visionabili sul sito del museo.

  

  ^{* Artista; figura tra gli artisti quelli coinvolti nel progetto}

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  18 agosto 2020

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• Le Gallerie degli Uffizi diventano virali

  

  “Tik Tok può essere accusato di essere di basso livello, ma nei musei facciamo attività intellettuali e serie tutto il tempo e abbiamo pensato che se avesse funzionato, avrebbe potuto essere un’esca per invitare all’apprendimento“

  ^{Carnegie Museum of Natural History in Pittsburgh *}

  Le Gallerie degli Uffizi, a Firenze diventano inaspettatamente un caso, durante il lockdown.

  In conseguenza della chiusura del museo e non potendo prevedere quanto questo stop sarebbe durato, il direttore Eike Schmidt, come molti altri direttori di grandi musei intuisce la necessità di intensificare la comunicazione con il pubblico tramite i canali dei Social Media che in quei giorni sembrano essere gli unici efficaci nel sopperire all’impossibilità della maggior parte dei cittadini, di muoversi e frequentarsi di persona.

  Il museo già dispone di un account Instagram e di uno Twitter, ma clamorosamente non di uno su Facebook e il tema della comunicazione con il proprio pubblico via Social Media non era mai veramente stato affrontato fino a questo momento: “Eravamo praticamente nell’età della pietra”, ammette Eike Schmidt, parlando del precedente rapporto del museo con i social media.

  In marzo viene dunque aperto un account Facebook che il direttore decide di lanciare personalmente con un breve video in cui esprime l’intenzione di avviare un lavoro quotidiano sulla pagina – anch’egli riprendendo il tema del Decamerone. 

  Parallelamente, si decide per l’apertura di un account anche su Tik Tok, Social Media utilizzato quasi esclusivamente dai giovanissimi, che nei giorni di lockdown sembra essere prediletto come mezzo per superare i lunghi momenti di noia.

  Racconta il New York Times, in un grande articolo dedicato a questa vicenda, che incaricata di aprire e gestire questo account sia stata una delle impiegate dell’ufficio amministrazione, Ilde Forgione, che ha dato la sua disponibilità ad occuparsene, poiché molto appassionata di Social Media. 

  @uffizigalleries

  Quanto manca al 2021?? #boredinthehouse #bored #quarantine #boredathome #weekend #uffizi

  ♬ suono originale – uffizisocial

  Particolarmente brillante effettivamente l’intuizione di aprire l’account su Tik Tok, dal momento che il Social Media aveva annunciato proprio in aprile di voler investire sulla presenza delle istituzioni di cultura ed educative, offrendo a quelle già presenti collaborazioni con influencers e mettendo  a disposizione un fondo di cinquanta milioni di dollari per dare sovvenzioni a questi utenti, perché realizzino contenuti di questo tipo (mentre in maggio ha annunciato una partnership con Bill Nye e Neil deGrasse Tyson – i Piero e Alberto Angela d’America – perché mettano a punto una serie di post educational).

  

  Certamente questo ha fatto sì che il contenuto proposto dal museo venisse esposto agli utenti, da parte della casa madre, in modo particolare.

  Bisogna dire, però, che gran merito ha avuto l’incaricata di gestire l’account, che – con l’aiuto, pare, di due giovanissimi cugini e dei figli adolescenti dei colleghi – ha saputo incontrare il giusto tone of voice e il linguaggio che più autenticamente domina su Tik Tok, nonché un brillante accompagnamento dei video con brani musicali molto in voga in Italia e celebri citazioni da dialoghi cinematografici, abbinati magnificamente alle gag spesso proposte dai brevi video. Questo approccio, tranne rari casi, non è certo quello tipico dei musei sulle piattaforme dei Social Media e ciò ha contribuito a determinare un successo incredibile dei piccoli video proposti dagli Uffizi: alcuni di questi son diventati in breve virali, facendo crescere rapidissimamente il numero di follower. Aperto il 28 aprile, l’account contava a fine giugno 22.000 followers e a fine agosto 53.000 followers. 

  ^{* Sloan MacRae, direttore marketing del museo}

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  17 agosto 2020

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• Castello di Rivoli, “Digital Cosmos” e “Glass-Nost”

  

  “Nell’emergenza pandemica l’arte svolge un ruolo fondamentale, essendo la natura dell’arte fondata sull’incertezza”

  ^{William Kentridge *}

  La direttrice del Museo d’Arte Contemporanea del Castello di Rivoli, Carolyn Christov-Bakargiev, in collaborazione con Gianluigi Ricuperati – autore torinese e consulente del museo – avvia in marzo un progetto intitolato “Digital Cosmos / Cosmo Digitale”, curato nel suo insieme da Giulia Colletti, che la direttrice definisce: “Una nuova sede del museo, che contiene opere d’arte create appositamente per il mondo digitale”.

  Si tratta di una sorta di archivio curato, che si propone di raccogliere episodi di diverso genere, provenienza e natura: da filmati di repertorio provenienti dall’archivio del museo, a lavori di artisti, in digitale, a testi, video documentazione di lavori artistici di diversa natura, o video commissionati per arricchire questo progetto…

  

  Questo progetto germogliava già prima dell’inizio del lockdown, ma certamente l’urgenza di dotarsi della possibilità di offrire al pubblico del materiale e una connessione, anche al di là della frequentazione fisica del museo, ha costretto a guardare a questa sezione con una prospettiva diversa, che non sia limitata alla raccolta di materiale, ma sia integrata dalla produzione di nuovi contenuti e virtual experiences. 

  Una prima conseguenza è l’ideazione, in aprile, di un prodotto digitale ad hoc: una serie di cinque videointerviste registrate fisicamente a cavallo tra gli spazi esterni ed interni della Libreria Luxemburg di Torino, in maggio, a ridosso della fine del periodo di lockdown e intitolata Glass-Nost – social reality digital club. 

  La serie  – ideata sempre dalla direttrice del Castello di Rivoli insieme a Gianluigi Ricuperati, in collaborazione con la Libreria Luxemburg e con Faust –  gioca col formato ormai consueto delle interviste via Instagram live, innestando un elemento di presenza fisica, che da più di due mesi si era perso: Carolyn Christov-Bakargiev e Gianluigi Ricuperati siedono tra strada e vetrina e si collegano via Instagram con gli intervistati, dando modo così di ascoltare le interviste anche ad un pubblico “in presenza”.

  

  Così è descritto il progetto da Gianluigi Ricuperati: “Nei singoli episodi, due persone fisicamente a Torino, una all’interno e l’altra all’esterno della vetrina della libreria, comunicano attraverso il vetro con una terza persona collegata in remoto, che non si trova nella stessa città, attorno alla questione della separazione dei corpi durante il lockdown dovuto all’emergenza sanitaria in corso. Il progetto, da un punto di vista dell’allestimento, spazializza la riflessione sull’isolamento nelle relazioni umane”.

  ^{* William Kentridge in conversazione con Carolyn Christov-Bakargiev, direttrice del Castello di Rivoli}

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  16 agosto 2020

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• Serpentine Gallery

  

  ^{“Quando pensiamo al legno, pensiamo istintivamente ad un materiale di per sé sostenibile, ma non dobbiamo dimenticare che qualunque cosa facciamo nel mondo, ha un impatto. Il titolo “Cambio” è un augurio di cambiamento nel modo in cui il design e la produzione vengono affrontati oggi“}

  ^{Formafantasma *}

  Come sempre accade, in coincidenza di grandi eventi devastanti, si rilevano alcune coincidenze sorprendenti in vari ambiti, tra cui naturalmente anche quello culturale. 

  Nel mondo della cultura europea di matrice italiana, tre coincidenze vengono messe in luce come particolarmente significative, all’esplodere della pandemia: la pubblicazione, nel novembre 2019, del volume “Metamorphoses” del filosofo Emanuele Coccia che evidenzia come tutta la vita sulla terra sia un fatto metamorfico dove ogni elemento è strettamente interconnesso e come ciò riguardi anche i virus, le cui mutazioni possono innescare reazioni i cui effetti non sono del tutto prevedibili –  l’esperienza appena conclusa, nel settembre 2019 della Triennale di Milano XIII intitolata “Broken Nature: Design Takes on Human Survival”  curata da Paola Antonelli – che intendeva evidenziare il concetto di progettazione restaurativa e analizzare lo stato dei fili che collegano gli esseri umani ai loro ambienti naturali, alcuni dei quali del tutto recisi – e l’apertura a Londra della mostra “Cambio” del duo di artisti Formafantasma.

  Quest’ultima è stata concepita intorno al tema della governance dell’estrazione del legname dalle foreste – diventata una delle più grandi industrie del mondo sia in termini di entrate che genera, sia per l’impatto che ha sulla biosfera del pianeta – proponendosi di rappresentare un’indagine attraverso il mondo della scienza, della conservazione, dell’ingegneria e del policy making, per mettere in luce il ruolo che il design può svolgere nel plasmare un futuro migliore e più sostenibile.

  

  I Formafantasma (Andrea Trimarchi e Simone Farresin) sono designer che hanno dato  sempre spazio, nella propria pratica, all’analisi delle responsabilità ecologiche e politiche imputabili alla loro disciplina. 

  In questo caso, “Cambio”, dal latino medievale cambium, ‘cambio, scambio’, fa riferimento all’utilizzo del legno da parte degli esseri umani, per le catene di approvvigionamento atte a supportare la sopravvivenza dell’umanità, all’evoluzione del suo utilizzo e al futuro della sopravvivenza di quel materiale in relazione al consumo umano.

  Inoltre, “Cambio” si riferisce allo strato cambiale, una membrana che corre attorno al tronco degli alberi, producendo legno all’interno, una registrazione del passato dell’albero e della corteccia all’esterno, permettendogli di continuare a crescere.

  

  Nel video di presentazione della mostra, Andrea Trimarchi e Simone Farresin si augurano che la mostra generi l’opportunità di avviare delle conversazioni sul tema, anche al di là della mostra stessa. 

  Ed effettivamente l’approccio olistico di questo lavoro, così presente in tanti dei dibattiti che si scatenano alla presa di coscienza della portata dell’emergenza in corso – induce la Serpentine Gallery, in seguito alla chiusura dello spazio e della mostra al pubblico, ad ospitare sul proprio account Instagram un programma intitolato “Antenna Fantasma”: interviste live a diversi attori che possano portare un contributo pregnante al ripensamento del ruolo dell’arte e del design in un mondo in trasformazione.

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  Questa collezione di sedici grandi interviste, si aggiunge ad una quantità già consistente (e in continuo aumento) di materiali scritti ed audio-video a formare un archivio legato alla mostra e costituisce, nel suo insieme, una fotografia dell’anno 2020 avente un taglio autoriale molto pregnante, un piccolo manuale dello stato dell’arte di una corrente di pensiero progettuale determinata a perseguire la sostenibilità e una visione per una delle possibili ripartenze consapevoli.

  E’ un gran giro di walzer, tra tutti coloro che si sono resi protagonisti della scena culturale italiana nella primavera 2020, conducendo varie interviste a personaggi significativi, mentre loro stessi vengono intervistati da diversi personaggi e da importanti istituzioni culturali, in una sorta di corto circuito virtuoso.

  La mostra inaugura il 4 marzo e, chiusa dieci giorni dopo, riapre al pubblico il 29 settembre.

  Una seconda serie di collegamenti live, dall’account Instagram della  Serpentine Gallery, vede protagonisti una serie di artisti, che in collegamento dal proprio studio o spazio di lavoro, presentano al pubblico non solo lo spazio stesso, ma anche la pratica del proprio lavoro.

  Andando oltre l’idea della studio visit, in questo caso si ha l’opportunità di trascorrere un’ora di tempo (tale è la durata massima delle dirette Instagram) in compagnia degli artisti immersi nel proprio lavoro. Si svelano le tecniche di lavorazione, i percorsi di avvicinamento all’opera, si ascoltano consigli e piccoli trucchi su come realizzare tecnicamente certi effetti e episodi legati al percorso di vita professionale degli artisti.

  E’ un’opportunità rara, forse unica che la Serpentine Gallery regala al proprio pubblico.

  Di questa serie purtroppo non è rimasta traccia alcuna, sull’account Instagram del museo.

  ^{* Formafantasma, a proposito della mostra Cambio alla Serpentine Gallery di Londra}

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  14 agosto 2020

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• Art Basel Online Viewing Rooms

  

  “Potrebbe essere il momento non solo di ripensare al nostro ruolo di gallerie, ma anche di chiederci, che cos’è una galleria? Il tuo spazio è la tua galleria? O il tuo programma è la tua galleria? Una galleria è una visione, una storia, un gruppo di persone che si uniscono attorno a idee comuni. Se lo abbiamo, possiamo trovare un modo per andare avanti“

  ^{Agustina Ferreyra *}

  Seguendo il trend in crescita tra le grandi gallerie, di sfruttare lo spazio digitale come spazio espositivo da affiancare allo spazio fisico, l’ente fiera di Art Basel aveva messo a punto per marzo il portale Art Basel Online Viewing Rooms, che si proponeva di “offrire agli espositori una piattaforma aggiuntiva per mostrare le opere d’arte alla rete globale di mecenati di Art Basel, nonché a nuovi collezionisti e acquirenti”.

  La nuova iniziativa digitale si doveva svolgere parallelamente alle mostre, non sostituendo l’esperienza fisica della fiera d’arte, ma consentendo ai galleristi di presentare ulteriori mostre di opere in vendita, non presentate in fiera.

  Grandi gallerie come David Zwirner e Gagosian già lavoravano in questo senso, rispettivamente dal 2017 e 2018, utilizzando le proprie viewing rooms digitali in particolare per proporre stampe, disegni e piccole gemme un po’ meno costose e impegnative dei dipinti o delle grandi sculture.

  

  Con la cancellazione dell’edizione di Hong Kong, prevista per il 20-25 marzo, il portale ha assunto un’importanza fondamentale, andando a salvare brillantemente la situazione disastrosa determinata dall’emergenza, potendo offrire alle gallerie che erano previste in fiera, la possibilità di presenziare comunque alla versione inedita della fiera interamente online, ove cioè – per la prima volta – la fiera si svolgeva non in presenza del pubblico e, soprattutto, non in un luogo fisico.

  Ben 235 dei previsti 242 espositori hanno esposto su Online Viewing Rooms Hong Kong 2020, ottenendo numeri impressionanti, con oltre 250.000 visitatori ad esplorare le sale di visualizzazione online (la partecipazione alla fiera Art Basel dello scorso anno a Hong Kong è stata di circa 88.000), più di 2.000 opere d’arte esposte, per un valore complessivo di circa 270 milioni di dollari: “Quasi certamente la più costosa raccolta di opere mai offerta attraverso un unico portale online”, scrive Tim Schneider su artnet news.

  Una delle caratteristiche più nuove della fiera in versione digitale, l’esposizione del prezzo o della fascia di prezzo per ogni opera esposta: un cambio radicale nella trasparenza in tema di prezzi, per un settore che, ad alti livelli,  è solitamente riluttante a renderli immediatamente disponibili.

  Il materiale presentato da ogni galleria, è stato integrato dai materiali prodotti dalla fiera stessa: i video-interventi di diversi critici e curatori che presentano proprie selezioni delle opere e gallerie in esposizione, video-presentazioni delle gallerie, tavole rotonde, video-diari quotidiani, interviste e seminari.

  Questo trampolino di lancio ha permesso di poter svolgere anche l’edizione di Basilea Online Viewing Rooms, il 19-26 giugno, questa volta radunando 282 espositori da 35 diversi Paesi del mondo e mettendo a punto un portale ancora più complesso e completo.

  Le gallerie partecipanti hanno infatti avuto il tempo di radunare e presentare sulle proprie pagine anche materiale preparato specificamente per la versione digitale: dai video di presentazione dedicati, sia delle singole opere che delle mostre complete, a documentari e film, interviste, studio visits, ma anche rendering dell’effetto di esposizione delle opere a parete, oltre alla presentazione delle opere stesse con immagini in altissima risoluzione che permettono anche di ingrandire dettagli delle opere stesse e offendo un tipo di frequentazione dell’opera meno direttamente esperienziale, ma comunque interessante per altri versi.

  Tra i vantaggi del presentare i propri artisti tramite le Online Viewing Rooms, anche il fatto di non avere limitazioni tecniche, logistiche o di spazio, come si ha normalmente nel proprio stand in fiera, avendo la possibilità di presentare anche opere o installazioni complesse e di grande formato. In parallelo, inoltre, molte gallerie hanno presentato un programma di incontri, talks, performances.

  Gli espositori che hanno avuto la prontezza e la possibilità di caricare molto materiale audio-visivo e impostare una programmazione, hanno dunque cavalcato in qualche modo l’onda degli ostacoli imposti dall’emergenza e per certi versi lanciato un nuovo modo di presentarsi al pubblico.

  Anche in questo caso, come un po’ per tutti gli episodi di trasposizione dell’esperienza fisica verso il luogo digitale, un ruolo fondamentale gioca la capacità di trovare una narrazione. 

  “Something still went right. Art never gets canceled”

  ^{Galleria White Space Beijing}

  Il valore aggiunto più evidente, che viene riconosciuto per esempio dai grandi collezionisti intervistati sull’esperienza della fiera interamente in digitale, è proprio quello di trovare radunati vari elementi di commento e approfondimento sulle opere che vanno a semplificare l’aspetto di ricerca e raccolta di informazioni che il collezionista farebbe in un incontro uno a uno con il gallerista o con l’artista.

  

  Molti aspetti di questi aspetti positivi dell’avventura digitale intrapresa da Art Basel sono emersi durante un interessante panel organizzato per Online Viewing Rooms dal Financial Times Weekend sul tema “Art Collecting in a Virtual World,” cui erano invitati Iwan Wirth, presidente della importante e molto rinomata galleria Hauser & Wirth, il direttore di Art Basel Americas Noah Horowitz e Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, in qualità di grande collezionista.

  Particolarmente incisivi sono gli interventi e le considerazioni di Patrizia Sandretto Re Rebaudengo sull’esperienza  di portare avanti una collezione d’arte e uno spazio espositivo, avendo a disposizione sostanzialmente solo il mezzo digitale,  emerse anche durante una sua conversazione con il direttore di exibart Matteo Bergamini, parte del ciclo di interviste “exibart live talks” su Instagram live che la rivista exibart ha condotto tra marzo e maggio 2020.

  

  Il successo di questa seconda edizione – che ha registrato anche dei record in termini di vendite online  – ha decretato, dunque, l’affermarsi definitivo di un formato che non abbandonerà più questa fiera [sono già in programma per fine settembre e per fine ottobre 2020 altre due piccole edizioni di Online Viewing Rooms, dedicate a due temi specifici e aperte ad un numero limitato di espositori, pari a 100 per ciascuna] e costringerà tutte le altre grandi fiere d’arte a dotarsi di sistemi digitali integrativi: la fiera Artissima a Torino, per esempio, ha annunciato in agosto al pubblico, che la prossima edizione prevista per il novembre 2020 si svolgerà in formato ibrido analogico / digitale.

  Al di là delle restrizioni che ancora perdurano per tutto il 2020 sul numero di presenze fisiche in  contemporanea, in un ambiente, infatti, le gallerie conteranno sempre di più sulla possibilità di integrare le proprie proposte dal vero e gli addetti ai lavori o il pubblico di appassionati che non possono presenziare ad ognuna delle grandi fiere d’arte che si svolgono ogni anno, conteranno altrettanto sull’opportunità di non restare completamente esclusi dallo svolgimento dell’evento, seppure prendendo parte a distanza.

  Le “Online Viewing Rooms” vengono chiuse da Art Basel con il concludersi della fiera e di conseguenza l’elemento temporale limitato imprime alla manifestazione il carattere di vero evento con l’effetto: “be there, or miss out”. 

  ^{* Agustina Ferreyra, proprietaria dell’omonima galleria a Puerto Rico e a Città del Messico}

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  13 agosto 2020

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